Umbra Vitae

Adelante se inclinan los hombres por las calles,
contemplando los signos de los cielos,
en donde los cometas, con narices de fuego,
amenazantes se deslizan en torno de las torres.

Los astrólogos llenan los tejados
y clavan en el cielo largos tubos,
y hay hechiceros: brotan de desvanes
retorcidos, a oscuras, conjurando los astros.

Los suicidas andan en grandes hordas
buscando entre la noche su existencia perdida,
encorvados sobre los puntos cardinales,
barriendo el polvo con escobas como brazos pobres.

Polvo que apenas dura,
perdiendo en el camino sus cabellos,
brincan, aprisa mueren
y yacen en el campo con la cabeza rota,

pataleando, a veces, todavía. Y las bestias del campo
alrededor transitan ciegamente y les clavan
los cuernos en el vientre. Se enfrían sepultados
bajo salvias y espinos.

Pero los mares se detienen. Los barcos,
suspendidos en olas, con aflicción se pudren,
dispersos, y no hay corriente móvil
y los patios celestes están todos cerrados.

Los árboles no cambian estaciones,
eternamente muertos en su fin
y abren sus largas manos, sus dedos de madera
por caminos ruinosos.

Quien va a morir se sienta para levantarse
y acaba de decir sus últimas palabras.
Se desvanece de pronto. ¿En dónde está su vida?
Sus ojos se quiebran como el cristal.

Muchos son sombras. Escondidas y turbias.
Sueños que rozan sobre puertas mudas.
Quien despierta agobiado por otras madrugadas
debe quitar la pesadez del sueño de sus párpados grises.

Georg Heym (1887-1912)

Casajordi

• Nombre: Georges Bousquet
• Pseudónimo: Casajordi
• Ciudad: Perpignan (Francia)
• Estilo: Surrealismo, movimiento dadá, collage.
• Influencias: Warhol, Prévert, Jean-Léon Gérôme y el rigor y la imaginación de Hieronymus Bosch,.
• Técnicas utilizadas: En primer lugar el papel, Photoshop e Illustrator.
• Participación en proyectos: Carteles "Pretty Monsters" y "This is my world"

Portafolio: http://casajordi.ultra-book.com/







Fuentes: http://www.vistanova.fr/

Caminando Solo

Amo la compostura ordenada del viento,
su crespa uña de enredadera llega hasta mí
y trae algunos olores de fuego al atardecer.
Rodando bajo el árbol del silicio,
entre la duda del cuarzo lechoso
y la arrogancia laureada del ópalo,
murmuro por las calles versos de Emily Dickinson,
y sin saber cómo llego a todas partes,
vuelvo perdido desde el fondo de las lilas de agua,
hecho pájaro con una rara canción.
Juego con la voluntad eólica de mi oscura infancia,
danzo en mis sangrientos territorios desbocados,
y por las calles, enrarecido en la espuma volátil,
esculpo teorías fantásticas
que insulto con una sonrisa:
No hay silencio más allá del silencio.

Elías Letelier

El autoconocimiento del infierno...

Para cada persona el infierno es algo diferente,
o cada uno tiene su propio infierno particular. Mi
descenso al nivel irracional de la existencia, donde se
vive por puro impulso, para fantasía y, por
consiguiente, pura locura. No, eso no es el infierno.
Cuando estoy allí tengo tan poca conciencia del dolor
como un hombre borracho; o mejor, mi dolor es una alegría.
Sólo al recuperar la conciencia siento un dolor
indecible...

Anaïs Nin (Francia, 1903-1977)
Diarios, (Fragmento).

Le Sang D' un Poète (1930)

Le Sang D'un Poete es una magnífica pieza cinematográfica de vanguardia dirigida por Jean Cocteau en 1930, Obra maestra del surrealismo prístino y qué nos muestra cuatro historias absolutamente diferentes que desvelan los miedos, turbaciones y las fobias de un poeta que presencia un accidente. En el film, yacen Muertes, evocaciones, sugestiones, arrebatos, y delirios encarnados en la propia resurrección.
Hay quién dice qué toda la cinta es una mezcla incandescente del cine del revolucionario:
Dziga Vertov ("The man with the movie cámara"), y del propio Buñuel.
'La sangre de un Poeta', es la primera parte de la "La trilogía Órfica", que continúa con "Orphee" (1950) y concluye con "El Testamento de Orfeo" (1960).

Para los amantes del cine experimental y surrealista, es una obra imprescindible, las imágenes qué se suceden en la película, actúan como una colisión simbólica bastante especial, como si el propio Cocteau, no hubiese querido contar precisamente una historia, sino impactar al espectador directamente con un fenómeno visual basado en la alegoría de su propio miedo a la muerte.

Como dato extra, contaros qué poco después de su finalización, comenzáron a circular rumores de que la película contenía un mensaje anti-cristiano, e incluso el estreno se retrasó más de 1 año, porque fué amenazado con la ex-comunión de la iglesia católica.

The Fine Art of Poisoning

Corto dirigido por Bill Domonkos en el año 2004, es un montaje claroscuro pródigo de la animación 2D y 3D, "El fino arte de la Intoxicación" seduce al espectador en un submundo siniestro, elegante en el arte del engaño, la conspiración, y la venganza.

Esta película de culto ha ganado varios premios en festivales internacionales de cine, la deliciosa melodía qué la acompaña está a cargo de la gran: Jill Tracy, quién es toda una experta en endulzar oídos con auténticas melodias barrocas y deletéreas.
Esta canción aparece en el álbum de Tracy Jill, "Diabolical Streak" qué puedes descargar aquí: Diabolical Streak albúm

Más info sobre éste corto y Bill Domonkos:
http://www.bdom.com/main/animation.htmE

...De las grandes emociones

[...]Sería maravilloso poder tirar todos los muebles por la ventana y, junto con ellos, todas las reiteraciones sin sentido sobre sensaciones físicas, todas las viejas y aburridas pautas, y dejar la sala tan desnuda como el escenario de un teatro griego, o como esa casa a la que descendió la gloria de Pentecostés; dejar el escenario desnudo para el juego de las emociones, las grandes y las pequeñas, puesto que la insípida amplitud mata de igual forma el cuento infantil que la tragedia. Dumas padre enunció un gran principio cuando dijo que para crear un drama un hombre necesitaba una pasión y cuatro paredes.[...]

(Fragmento de 'Para mayores de cuarenta', Willia Cather, 1873-1947)

Esao Andrews

Esao Andrews

Anke Merzbach

Anke Merzbach es una magnífica fotógrafa alemana, la cual transforma en photoshop cada píxel de un retrato o paisaje, en un mundo coronado por la lobreguez infinita, onírica y espléndida de lo surreal.
En la página de Anke se puede leer cuanto cuesta ser fotografíado por Ella, aparte de su maravilloso universo de fotografías y composiciones.
Aquí les dejo pues con éste encantador hallazgo:

http://www.ankemerzbach.de/gallery

Erica ILcane

http://www.ericailcane.org

Louise Robinson (Art & Ghost)

Hermoso trabajo el de ésta chica londinense, cuya técnica consiste la mayor parte del tiempo en la manipulación de fotografias de sus propias muñecas o pinturas que Ella misma crea, luego las transforma utilizando photoshop y su Wacom, su mundo es siempre una fantasía: hadas, muñecas, espectros, la mitología como mayor fuente de inspiración y sus propios sueños.

La puedes encontrar en:

*Portafolio

*Web

*Flicker

*Shop

No hablo de estudios

No hablo de estudios, de ascesis metódicas, hablo de esa intencionalidad tácita que informa el movimiento total de un poeta, que lo vuelve ala de sí mismo, remo de su barca, veleta de su viento, y que revalida el mundo al precio del descenso a los infiernos de la noche y del alma.

Detesto al lector que ha pagado por su libro, al espectador que ha comprado su butaca, y que a partir de allí aprovecha el blando almohadón del goce hedónico o la admiración por el genio. ¿Qué le importa a Van Gogh tu admiración? Lo que él quería era tu complicidad, que trataras de mirar como él estaba mirando con los ojos desollados por un fuego heracliteano. Cuando Saint-Exupéry sentía que amar no es mirarse el uno en los ojos del otro sino mirar juntos en una misma dirección, iba más allá del amor de la pareja porque todo amor va más allá de la pareja si es amor, y yo escupo en la cara del que venga a decirme que ama a Miguel Ángel o a E. E. Cummings sin probarme que por lo menos en una hora extrema ha sido ese amor, ha sido también el otro, ha mirado con él desde su mirada y ha aprendido a mirar como él hacia la apertura infinita que espera y reclama.

Julio Cortázar, (La vuelta al día en ochenta mundos, 1967)

Dedicado a todos aquellos que con sus disgresiones intentan acabar con la libertad de expresión, con el arte de decidir, de divulgar y con la voluntad de elegir poniendo como manifiesto, que todo lo aquí expuesto es obra del snobismo y el diletantismo.

Abre los ojos lector mediocre y absolutista, tu próposito malintencionado de desacralizar mi mundo ha sido desgraciadamente marrado.
Mejor vete a leer el Marca!

Nicolas Lampert

Machine-Animals

Meatscapes

Agit-Prop

http://www.machineanimalcollages.com/


* * * * *

Julianna Swaney

"¡Oh My Cavalier!" Es el nombre en la web, y detrás se encuentra:Julianna Swaney, una jóven artista que vive y trabaja en Portland (Oregon). La mayor parte de su trabajo es hecho en lápiz y acuarela sobre papel. Julianna cuenta que se inspira mayoritariamente en cuentos de hadas, leones, aves rapaces, vestidos victorianos, las antigüedades en general, postales, en el cantar de los pájaros, canciones infantiles, los gabinetes de curiosidades, el antropomorfismo de todas las clases, y muchas cosas más.

Visita su web, y si quedás con ganas de más:



Blogs:
http://ohmycavalier.blogspot.com/
http://rareredbird.blogspot.com/

Ogasa Shin

Gallery

La Revolución

En mi habitación la cama estaba aquí, el armario allá y en medio la mesa.
Hasta que esto me aburrió. Puse entonces la cama allá y el armario aquí.
Durante un tiempo me sentí animado por la novedad. Pero el aburrimiento acabó por volver.
Llegué a la conclusión de que el origen del aburrimiento era la mesa, o mejor dicho, su situación central e inmutable.
Trasladé la mesa allá y la cama en medio. El resultado fue inconformista.
La novedad volvió a animarme, y mientras duró me conformé con la incomodidad inconformista que había causado. Pues sucedió que no podía dormir con la cara vuelta a la pared, lo que siempre había sido mi posición favorita.
Pero al cabo de cierto tiempo, la novedad dejó de ser tal y no quedó más que la incomodidad. Así que puse la cama aquí y el armario en medio.
Esta vez el cambio fue radical. Ya que un armario en medio de una habitación es más que inconformista. Es vanguardista.
Pero al cabo de cierto tiempo… Ah, si no fuera por “ese cierto tiempo”. Para ser breve, el armario en medio también dejó de parecerme algo nuevo y extraordinario.
Era necesario llevar a cabo una ruptura, tomar una decisión terminante. Si dentro de unos límites determinados no es posible ningún cambio verdadero, entonces hay que traspasar dichos límites. Cuando el inconformismo no es suficiente, cuando la vanguardia es ineficaz, hay que hacer una revolución.
Decidí dormir en el armario. Cualquiera que haya intentado dormir en un armario, de pie, sabrá que semejante incomodidad no permite dormir en absoluto, por no hablar de la hinchazón de pies y de los dolores de columna.
Sí, esa era la decisión correcta. Un éxito, una victoria total. Ya que esta vez, “cierto tiempo” también se mostró impotente. Al cabo de cierto tiempo, pues, no sólo no llegué a acostumbrarme al cambio -es decir, el cambio seguía siendo un cambio-, sino que al contrario, cada vez era más consciente de ese cambio, pues el dolor aumentaba a medida que pasaba el tiempo.
De modo que todo habría ido perfectamente a no ser por mi capacidad de resistencia física, que resultó tener sus límites. Una noche no aguanté más. Salí del armario y me metí en la cama.
Dormí tres días y tres noches de un tirón. Después puse el armario junto a la pared y la mesa en medio, porque el armario en medio me molestaba.
Ahora la cama está de nuevo aquí, el armario allá y la mesa en medio. Y cuando me consume el aburrimiento, recuerdo los tiempos en que fui revolucionario...

Slawomir Mrozek.

Miron Zownir

Zownir es un fotógrafo de la vida, sí! puede ser un nuevo término atribuible a éste personaje que va más allá de todas las normas y convenciones estéticas, la fotografía de Zownir revela situaciones íntimas y momentos llenos de éxtasis, frenesí, intoxicación, melancolía, pobreza, miseria, ternura y desesperación. El cuerpo humano continuamente aparece como una especie de posesión final, como la cubierta de un alma de autoexposición; inidealizado en su belleza, o fealdad.

Zownir, va captando donde quiera que va con su objetivo, el alma yaciente de indigentes, prostitutas, niños de la calle, pero sobretodo han de tener algo en común: almas inadaptadas, libres del cargo del buen comportamiento social, y es poreso que pesar de encontrarse a menudo con obstáculos como detenciones policiales repetidas y la censura subsecuente acusado de poseer material presuntamente pornográfico, y la experimentación del brutal asalto y la amenaza sobre incontables ocasiones durante sus investigaciones fotográficas, Zownir nunca se conformó con una visión restringida.

Miron Zownir empezó a vivir la fotografía a finales de los años 70 durante los auges del fenómeno del punk, entregando una representación apretada del movimiento y su actitud peculiar hacia la vida en el limbo entre una visión utópica de anarquía y la autodestrucción nihilista. En 1980, emigró a los EE.UU., donde vivió durante los próximos quince años; primero en Nueva York, luego en Los Angeles, y Pitsburgo. En Nueva York, entonces posiblemente la metrópoli líder mundial más fascinante y permisiva, el acercamiento peculiar de Zownir a la cubierta de la locura múltiple acodada cotidiana de la ciudad rápidamente fue reconocida por la escena local y ganada él una reputación como el " Teutonic Phenomenographer "que era algo así como (la Voz de Pueblo).

Durante su larga estancia en Estados Unidos, Zownir trabajó no sólo como fotógrafo, sino que tambien se aventuró en el rodaje, una ambición que él había mantenido desde mediados de los años setenta. Él escribió y dirigió varias películas de cine underground, que principalmente fueron producidas por Chosei Funahara, fundador de la legendaria banda de Punk 'Plasmatics'.

Zownir ha trabajado a lo largo de los últimos años en muchísimos y variopintos proyectos, y en especial en su libro: "The Radical Eye" (la fotografía de Miron Zownir) donde recopila las fotografias de su último trabajo.

Aunque algunos críticos afirmen que Zownir se ha quedado estancado en el mismo punto que Diane Arbús y Weegee, lo cierto es que Zownir responde que la base de su creación artística apuntaría más bien a una cita de la novela "El Castillo" de Kafka:

"Si uno tiene la fuerza para mirar las cosas sin cesar, sin tener que cerrar los ojos, se ve mucho. Pero si uno disminuye el esfuerzo de una sola vez y cierra los ojos, todo desaparece inmediatamente en la oscuridad."

Mirar con detenimiento las fotografias de Miron Zownir me han llevado a asociarlo razonablemente (o no) con William Burroughs, será que es verdad lo que dicen de NY y poreso me llama tanto la atención conocer esa gran urbe?

Quizás si! y sea El lugar fascinante de los Caminos Muertos.

Júzgalo tú mismo!

http://www.mironzownir.com/

El lobo estepario (Fragmento)

[...] El que haya querido los otros días, los malos, los de los ataques de gota o los del maligno dolor de cabeza clavado detrás de los globos de los ojos, y convirtiendo, por arte del diablo, toda actividad de la vista y del oído de una satisfacción en un tormento, o aquellos días de la agonía del espíritu, aquellos días terribles del vacío interior y de la desesperanza, en los cuales, en medio de la tierra destruida y esquilmada por las sociedades anónimas, nos salen al paso, con sus muecas como un vomitivo, la humanidad y la llamada cultura con su fementido brillo de feria, ordinario y de hojalata, concentrado todo y llevado al colmo de lo insoportable dentro del propio yo enfermo; el que haya querido aquellos días infernales, ése ha de estar muy contento con estos días normales y mediocres como el de hoy; lleno de agradecimiento se sentará junto a la amable chimenea y con agradecimiento comprobará, al leer el periódico de la mañana, que no se ha declarado ninguna nueva guerra ni se ha erigido en ninguna parte ninguna nueva dictadura, ni se ha descubierto en política ni en el mundo de los negocios ningún chanchullo de importancia especial; con agradecimiento habrá de templar las cuerdas de su lira enmohecida para entonar un salmo de gratitud mesurado, regularmente alegre y casi placentero, con el que aburrir a su callado y tranquilo dios contentadizo y mediocre, como anestesiado con un poco de bromuro; y en el ambiente de tibia pesadez de este aburrimiento medio satisfecho, de esta carencia de dolor tan de agradecer, se parecen los dos como hermanos gemelos, el monótono y adormilado dios de la mediocridad y el hombre mediocre algo encanecido que entona el salmo amortiguado [...]

Fragmento de el "El Lobo Estepario" (1920)
(Hermann Hesse)

Eugenio Recuenco

Portafolio: http://www.eugeniorecuenco.com/images_013.html

Fernando Vicente

http://www.fernandovicente.es/

Valerio Carruba

Fumie Sasabuchi

http://www.artnet.com/artist/424013046/fumie-sasabuchi.html

Persona Pálida

"Más mísero que las piedras

triste a más no poder

el hombre escuálido en el atril hubiera querido aniquilarse.

Qué frío el viento penetra en el lugar de las hojas muertas

sólo cómo patear para ahuyentar el frío

con qué pie iniciar la semana.

Un silencio que nunca acaba ni una palabra tierna para engañar al invierno

La sombra del alma del amigo la escritura, tan sólo las señas.

Mi sangre daría una sola vuelta

los sonidos se perderían en el espacio como dedos congelados.

Soy nada más que un patín abandonado en el hielo traspasado por el amanecer."

Louis Aragón (1897-1982, Poeta, novelista y ensayista francés líder del movimiento surrealista y Dadaísta en 1919.)

Nocturno

Engarzado en la noche el lago de tu alma, diríase una tela de cristal y de calma tramada por las grandes arañas del desvelo.
Nata de agua lustral en vaso de alabastros;espejo de pureza que abrillantas los astros y reflejas la cima de la vida en un cielo...Yo soy el cisne errante de los sangrientos rastros,voy manchando los lagos y remontando el vuelo.

Texto: Delmira Agustina (Poetisa Uruguaya, 1886-1914)

Imágen: Michal giedrojc.

The Phenomenon of Ecstasy

«El fenómeno del éxtasis» es el título de este collage fotográfico y de un breve texto que Salvador Dalí publicó en el número 3-4 de la revista Minotaure (1933). Ambos marcan un momento determinante en la carrera del artista. Ante todo suponen la culminación de su actividad en el grupo surrealista ortodoxo que dirigía André Breton, pero salen a la luz justo cuando la posición de Dalí dentro del grupo entra en crisis. Este libro analiza con gran agudeza y calidad literaria este importantísimo instante de inflexión, esencial para comprender tanto los caminos que seguirá la carrera de Dalí como el propio destino del surrealismo. Y lo hace planteando «El fenómeno del éxtasis» y el resto de las colaboraciones de Dalí en Minotaure como la expresión más clara del enfrentamiento entre dos formas distintas de entender el surrealismo, es decir, entre el idealismo de Breton y el materialismo de Dalí.

"Chaqueta afrodisíaca" 1936, (chaqueta de esmoquin con vasos de licor, camisa y plastrón en una percha, 88 x 79 x 6 cm).

Como el escultor Alberto Giacometti o como Rene Magritte, Salvador Dalí fue uno de los artistas que dejaron su impronta en el surrealismo de la década de 1930. Su «método paranoico-crítico» alumbró nuevos impulsos que produjeron sorprendentes resultados sobre todo en el ámbito del objeto surrealista. El «método paranoico-crítico» de Dalí representó una importante contribución a la enigmatización de lo cotidiano. Como escribió Bretón: «Las metamorfosis continuas e irresistibles a las que sometía el objeto de su interés espiritual daban lugar a que, para el paranoico, todos los fenómenos del mundo exterior fueran inestables, con cambios rápidos de un estado a otro, si es que no eran problemáticos y poco fiables. En cualquier caso, lo decisivo era que el paranoico estaba en condiciones de hacer que sus conciudadanos comprendiesen su visión del mundo». En el arte de Dalí, este poder se traduce en «una manera de fotografiar con profusión de color y a mano, es decir, sin aparatos, la irracionalidad concreta y el mundo de la fantasía». Ello se refleja en la mirada específica con que Dalí contemplaba y conformaba el mundo, de modo que, como el fotógrafo Brassaï recordaba en 1964 en sus notas autobiográficas, dotaba a la realidad de dimensiones misteriosas, no descubiertas hasta entonces. «Colaboré con Dalí en el Fenómeno del éxtasis y en las Esculturas involuntarias: billetes de autobús, boletos de metro enrollados, inadvertidamente arrugados; pastillas de jabón, algodón, plásticamente conformados a través del "automatismo"...» También Bretón dirigía a la realidad una mirada inocente, no marcada previamente, aunque en absoluto desencajada.

Uno de sus mayores y más fecundos placeres era, según parece, visitar los rastros; su fascinación por ellos quedó reflejada en un texto en el que evoca una de aquellas incursiones: «De todos aquellos objetos, lo primero que nos atrajo realmente y ejerció en nosotros la fascinación de lo nunca visto fue una máscara de metal. Nos llamó la atención por su rigidez, pero al mismo tiempo también porque parecía tener la capacidad de servir para usos que nosotros desconocíamos. La primera idea, absolutamente fantástica, que uno tenía al verla era que se trataba de una reproducción tardía y muy cuidada del yelmo medieval, que cubría toda la cabeza, flirteando con una máscara de terciopelo». En su pintura, cuyos sorprendentes efectos, difícilmente explicables desde un punto de vista racional, sólo son accesibles en muchos casos tras un análisis más detenido, Rene Magritte explora también los enigmas del mundo cotidiano y los resultados mágicos de lo conocido en un contexto nuevo. Su aportación singular y específica se sitúa en el ámbito del lenguaje o más bien en la reflexión hecha imagen sobre la relación entre el dibujo y la denominación. En 1929, Magritte publicó en La Révolution surréaliste una serie de cuadros comentados que explícita la especial problemática de tales relaciones. Los títulos que los acompañan, tales como Hay objetos que pasan sin nombre, sobre el dibujo de una barca, o Una palabra sirve en ocasiones para designarse a uno mismo, sobre la palabra «ciel» enmarcada en un círculo, provocan una inseguridad que va más allá de la duda puramente espiritual. Lo que se cuestiona es la seguridad transmitida por una designación equiparable a un acto de posesión. ¿Cómo aprehender, comprender, ordenar y dominar el mundo si ya no podemos estar seguros de sus nombres?, pregunta Magritte. En sus cuadros con texto aprovecha la inseguridad causada por las designaciones falsas y no habituales para descubrir al espectador la complejidad y el absurdo de lo «normal».

Fuentes: historiadelarte.us

Honeycomb

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Jochem van Wetten

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Almagul Menlibayeva

Almagul Menlibayeva, nació en Kazakistán, el 29 de noviembre de 1969, terminó sus estudios en la Universidad de Arte y Teatro de su ciudad natal, Almaty, en 1993. Tres años más tarde recibió sus dos primeros premios, entre los que se encuentra el Gran Premio de la segunda Bienal de Asia Central, Asia Art. A partir de entonces Almagul Menlibayeva expondrá a lo largo del mundo: en la fundación Soros de Almaty, en el Museo de Arte de San Petesburgo, en la Casa de los Artistas en Moscú, así como en Berlín y en los Países Bajos. Participo también en grandes eventos internacionales: presentó su vídeo “On the Road” en la Bienal de Venecia en 2005; en la Bienal de Sydney en 2006 con la instalación video/performance “Caravan Seray”. Gráfica, pintura, vídeo, instalación y performance, el trabajo de Almagul Menlibayeva es multiforme. Sus obras comprometidas conjugan una reflexión sobre lo femenino, el cuerpo, el Islam.

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Andreea Anghel

*Página Web: http://cigaro.carbonmade.com/

*DeviantART: http://raccoon-with-a-cigar.deviantart.com/

Wake up, Donnie!

Confío en que cuando el mundo se termine, pueda dar un suspiro de alivio porque habrá muchas otras cosas con las que ilusionarse.




-¿Porqué llevas ese estúpido disfraz de conejo?
-¿Porque llevas ese estúpido disfraz de humano?







- El cielo se abrirá...
- Si el cielo se abriese súbitamente, no habría ninguna ley, no habría ningún mandato. Solo estarías tú y tus recuerdos, las decisiones que has tomado, y las personas que has tratado. Si este mundo se terminase estaríais solos tú y él.
Nadie más.

Donnie Darko.

John Brophy

http://www.jbrophy.com/

El amante (Fragmento)

" Un día, ya entrada en años, en el vestíbulo de un edificio público, un hombre se me acercó. Se dio a conocer y me dijo. La conozco desde siempre. Todo el mundo dice que de joven era usted hermosa, me he acercado para decirle que en mi opinión la considero más hermosa ahora que en su juventud. Su rostro de muchacha me gustaba mucho menos que el de ahora, devastado. (...)Entre los dieciocho y veinticinco años mi rostro emprendió un camino imprevisto, ese envejecimiento fue brutal. Ví como se apoderaba de mis rasgos uno a uno... He conservado aquel rostro nuevo. Ha sido mi rostro. Ha envejecido más por supuesto, pero relativamente menos de lo que hubiera debido. Tengo un rostro lacerado por arrugas secas, la piel resquebrajada. No se ha deshecho... ha conservado los mismos contornos pero la materia está destruida. Tengo un rostro destruido... "

Marguerite Duras (1914-1996)

¿Woman or Man? "Freaks of nature"

Albert-Alberta

Albert-Alberta 1945

Adolph-Adolphine

Josephine-Joseph (En Freaks)

Josephine-Joseph

Adam & Eve

Freida-Fred

Frances-Francis

Bobby Kork

Bobby Kork Cabaret

Muchos de estos hermafroditas fueron famosos en los años 20's, 30's y 40's por pertenecer a algún circo, o bien por bailar en cabaret's enseñando su cuerpo mitad hombre, mitad mujer....

El más "conocido" (por decir algo) por tod@s nosotros es Josephine-Joseph, qué hizo su aparición en la película "Freaks" de Tod Browning (1932) aunque no tanto por su actuación, porque en realidad no tuvo ningún papel interpretativo.

Buscando a la que vuela...

Fragmento de "El Lado Oscuro del Corazón" (1992), Dirigida por Eliseo Subiela y texto de Oliverio Girondo.

[...]No se, me importa un pito que las mujeres tengan los senos como magnolias o como pasas de higo; un cutis de durazno o de papel de lija. Le doy una importancia igual a cero, al hecho de que amanezcan con un aliento afrodisíaco o con un aliento insecticida. Soy perfectamente capaz de soportarles una nariz que sacaría el primer premio en una exposición de zanahorias; ¡pero eso sí! —y en esto soy irreductible— no les perdono, bajo ningún pretexto, que no sepan volar.[...]

Si! ya sabeis todos de mi exacerbada monomanía con Girondo...son cosas que a éstas alturas, no se pueden ya esconder (y menos aún con más de 4 post dedicados)

C. Yo sé volar! y creo que tú me haz enseñado.

Ellen Rogers

http://www.ellenrogers.co.uk/

Bildmekanik

http://www.bildmekanik.se/_s

Estupidez humana

Incontables veces he tenido que indignarme de la incapacidad, total falta de juicio y completa b e s t i a l i d a d del género humano, y he tenido que sumarme al viejo lamento: "humani generis mater nutrixque profecto estultitia est" (verdaderamente la estulticia es la madre y el ama de cría del género humano)

Arthur Schopenhauer (paralipómena, pag 100.)

Únicamente los muertos no piensan...

Únicamente los muertos no piensan que trabajan, ni piensan que no piensan ni antitrabajan, llegan a ese nirvana a través del azar o con el error de los iniciados en las antípodas de la sabiduría.

Su último destino es, en cualquier caso, el mismo.

Enrique Lihn.

(Poeta, dramaturgo, novelista y ensayista chileno 1929-1988)

Odilon Redon

Bertrand-Jean Redon, más conocido en el ámbito artístico como Odilon Redon nació el 22 de abril de 1840 en Burdeos (Francia), fue un pintor simbolista, postimpresionista, aunque también se le considera como uno de los primeros precursores del surrealismo, más que nada durante su primera época como pintor en la que jugaba irremediablemente con las formas y el contexto de las figuras.

Fué un fiel admirador de Poe, y su relación estrecha con la literatura le llevaría a ilustrar varios libros de su amigo Baudelaire.

Otro personaje con el mantuvo una estrecha relación, fué con el científico Clavaud, que le llevaría a la fascinación por el mundo microscópico y le adentraría aún más en el mundo de las letras y le haría conocedor de escritores influyentes de la época como Flaubert o un iniciado Stéphane Mallarmé.

Las imágenes que expongo sobre éste personaje son de las que más me gustan de toda su obra, creo que datan más o menos de antes de los años 1890 que fué cuando se cambiaría radicalmente al mundo del color; éstas imágenes para mi denotan tanto poderío visual, desde esa austeridad de colores hasta la firmeza de trazos y ese delicioso toque surrealista y delirante.

Meraviglioso!!!

Femke Hiemstra

Femke Hiemstra es una magnífica ilustradora neo-surrealista holandesa nacida en 1974 en Zaanstad, sus trabajos son de técnica mixta entre pintura y trazos digitales. Su universo es un cuento de hadas oscuro donde objetos inanimados cobran vida, Femke de vez en cuando usa la tipografía en su trabajo, usando palabras de distintos idiomas y cartas en sus pinturas para realzar la narrativa, pero conservando siempre el sentido divertido del misterio como un dispositivo visual para enmarcar en el paisaje, como si se mirase este maravilloso mundo a través de una ventana secreta.

Ella cuenta que también usa objetos encontrados para pintar sobre ellos como cajas, libros viejos, o paneles de madera.

Fenke ha publicado varios libros de ilustraciones, dice que sus mayores influencias son Max Ernst, Hieronymus Bosch y las calaveras del mexicano J.G. Posada.

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-Deja de escuchar la estática.
- ¿Qué cojones quiere decir eso?
- Nada. Que todo lo que hay en este mundo es como una transmisión, buscando su camino a través de la oscuridad. Pero todo -la vida, la muerte, todo- está completamente rodeado de la estática. (hace el sonido de la estática) ¿Sabes? Pero si escuchas la estática durante demasiado tiempo, te acaba jodiendo.

A dos metros bajo tierra.

Dentro, en el eco imposible de tu voz dormida.

Dentro, y más adentro de las entrañas carcomidas de demiurgo.

Dentro de mi carne, se encuentran las larvas de tus besos...

Dentro de mis cuencas, me sumerjo cada noche a las 2 en punto,

entro y me persigno con el pie izquierdo, adentro sueño,

y adentro espero encontrarme sonambulescamente,

toda yo, toda dentro con tus ojos que me digan de una vez que es lo que hay adentro, dentro, adentro...

Sarah Petruziello

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Apéndice

"Todo está pulcro y preparado para el corte. Los cuchillos humean.

El abdomen marcado. Bajo paños blancos hay algo que gime.

"Señor profesor, todo está listo."

La primera incisión. Como si el pan se rebanara.

"¡Pinzas!"

Algo púrpura brota. Más profundo. Los músculos: húmedos, brillantes, frescos.

¿Hay un ramo de rosas sobre la mesa?

¿Es pus lo que salta?

¿Habrán cortado el intestino?

"Doctor, si se para contra la luz, ni el diablo puede ver el diafragma. Anestesia, no puedo operar, el hombre se va de paseo con su estómago."

Silencio, pesado, húmedo. En el vacío tintinea una tijera en el suelo

y la enfermera angelical ofrece algodones esterilizados.

"¡No puedo encontrar nada en esta porquería!"

"La sangre se oscurece. ¡Quíteme la mascarilla!"

"Pero -dios del cielo- querido, ¡apriete más esos talones!"

Todo deforme. ¡Por fin: aquí está! "¡El hierro candente, enfermera!"

Un siseo. Por esta vez tuviste suerte, hijo mío.

La cosa estaba a punto de perforarse.

"¿Ve usted la pequeña mancha verde?

Tres horas y el estómago se llenaba de mierda."

Vientre cerrado. Piel cosida. "¡Esparadrapos, acá! Buenos días, señores.

"La sala se vacía. Furiosa castañea y rechina con las mejillas la muerte se escurre a la barraca de los cancerosos. "

Gottfried Benn, "Morgue o El lazareto" (1912).

Médico y poeta alemán.

(2 de mayo de 1886, Mansfeld - 7 de julio de 1956, Berlín).

Cirenaica Moreira(surrealismo encarnado)

Título: "Freedom is a Huge Word" (1999).

Cirenaica Moreira, otro grandioso descubrimiento gracias a "Tremare Di Paura". Esta artista cubana, nacida en 1969 nos descubre un mundo amargo pero a la vez poético enmarcandose a si mismo como una historia dramática que lleva a adentrarnos en un surrealismo angustioso encarnado por diferentes sentimientos femeninos, y es que al igual que Ana Mendieta otra artista cubana (de la cual ya hablé en un post anterior), quiere enseñarnos bajo la representación teatral y a través del enfoque fotográfico, un mundo que se esconde bajo un velo oscuro, un mundo real pero destructivo y anónimo que interioriza a un ser atormentado pero que se esfuerza por mantenerse vivo, una introspectiva de la mujer que siente y se materializa por medio de éstos geniales retratos.

Cirenaica Moreira, graduada en 1992 en la Facultad de Artes Escénicas del Instituto Superior de Arte en Cuba, realizó su primera exposición personal en 1995, titulada: "Ojos que te vieron ir....", "Fotografía Conceptual", y después le seguirian otras como: "eFeria Arco´03" Galería La Casona, Madrid, en "FIAC’03". Galería La Casona, Paris y en la Subasta Humanitaria.

Tambien cuenta con colecciones en diferentes museos del mundo como en Estados Unidos, Brazil y por supuesto su Cuba natal.

Su página web, aún está en construcción, pero podemos ver algunas fotografías en B/N y en color en ésta página: http://alidaanderson.com/Artists/CirenaicaMoreira/CirenaicaMoreira.html

Título: "The Industrial, Havana Laundry" (1998).

Título: "Between Silence and Forgetting, There is a Notable Difference,

I'll be Silent, but I will Never Forget You"(1999)



Título: "There's No Worse Blindness Than Not Wanting to See"
(1999)

Desearía esconderme siempre dentro de aquella

telaraña roída que cuelga de tus ojos...

Desearía devorar vivo a un buho en la oscuridad

de mis noches y usar sus ojos para espiarte sigilosa...

Desearía transformarme en ese líquido viscoso y rojo que

penetra en las aurículas de tu corazón para hacerlo

bombear más de prisa cuando me miras.

Desearía arrastrarte bajo la luna llena por el

desierto y bañarnos juntos con lágrimas de arena

mientras te vomito un: "Te Quiero".

Desearía que no me amases como lo hacen los humanos,

porque éste es mi único y fatídico tormento.

Desearía que nadie más pronunciase tu nombre, para así no despertarme

sónambula de frio en un abecedario corrupto por Eros.

Desearía no desear nunca, pero te deseo a ti:

rostro invisible con el semblante impasible de los túneles,

amante de danza frenética y oscura...

Deseo tu carne entreabierta y tu sonrisa virginal.

Pero si tú, deseas amar a otras, desea también el no haber nacido.

Bicarbonato de Soda

Súbita, una angustia...
¡Ah, qué angustia, qué náusea del estómago en el alma!
¡Qué amigos he tenido!
¡Qué vacías de todo las ciudades recorridas!
¡Qué estiercol metafísico mis propósitos todos!

Una angustia,
Un desconsuelo en la epidermis del alma,
Un dejar caer los brazos en el crepúsculo del esfuerzo...
Reniego.
Reniego de todo.
Reniego más que de todo.
Reniego a espada y fin de todos los dioses y su negación.
Pero ¿qué es lo que me falta que siento faltarme
en el estómago y en la circulación de la sangre?
¿Qué aturdimiento vacío me extenúa el cerebro?

¿Debo tomar cualquier cosa o suicidarme?
No: Voy a existir ¡Vamos! Voy a existir.
E-XIS-TIR
E-XIS-TIR
¡Dios mío! ¡Qué budismo me refresca la sangre!
Renunciar de puertas abiertas.
Frente al paisaje todos los paisajes,
Sin esperanza, en libertad,
Sin nexo,
Accidente de la inconsecuencia de la superficie
de las cosas,
Monótono pero dormilón,
Y qué brisas cuando las puertas y las ventanas
están todas abiertas!
¡Qué verano tan agradable el de los otros!

¡Denme de beber, que no tengo sed!

*Texto: Alvaro de Campos (heterónimo de Fernando Pessoa)

*Fotografía: Mark Coggins

(Gladding McBean pottery factory in Lincoln, CA)

Jaime Zollars

Jaime Zollars, a diferencia de lo que podamos pensar al escuchar su nombre, es una chica, americana, de 31 años que habita en Pasadena (California).

Jaime se inspira en cuentos de hadas de la infancia y pintores flamencos como Hieronymus Bosch y Pieter Bruegel.

Su narrativa en imágenes son una combinación de collage y pintura acrílica y con frecuencia tienen detrás de ellas, historias de personas y lugares lejanos, y aunque muchas veces pueden resultar oscuros, siempre se oculta un final feliz y esperanzador, según dice la propia Jaime que ha escrito varios libros de ilustración para niños, y en USA es una artista bastante reclamada.

Ver Galería.

Historical and horrifying dolls

Estas muñecas fueron diseñadas y creadas por dos artistas americanos que comparten un amor por la historia y por el horror, dos cosas que a menudo comparten tambien en libros y películas.
Garith ha trabajado como maquillador profesional en Florida y tambien es un entendido en el mundo de la moda y el diseño, él dice que tiene un interés muy especial en la historia militar, y en particular la que acaeció durante el Imperio romano. Según sus propias palabras, Él nunca tuvo una hermana pequeña para atormentar y ahora tiene la oportunidad de coger éstas muñecas y experimentar lo que no pudo hacer de niño.

Shiva ha estado creando trajes de época durante más de quince años y también trabaja al igual que Garith con el maquillaje de efectos especiales. Entre sus hobbys está el estudiar los métodos de tortura históricos y otros modos desagradables de perecer. Y en cuanto a los de éstas pecualires muñecas, Ella lo encuentra muy divertido ya que ella no comenzó a jugar con muñecas hasta llegados los 30 años de edad.

Si estais interesados en algun@s de estos sangrientos muñequitos de horror de época o sólo quereis curiosear, podeis ver la galería entera en su página web.

Dave Mckean

Dave McKean (nacido el 10 de noviembre de 1963 en Maidenhead, Inglaterra) es uno de los ilustradores y diseñadores más importantes de Gran Bretaña. Su popularidad alcanzó su máximo esplendor al entrar en contacto con Neil Gaiman. McKean se ha encargado de ilustrar muchas de las historias de Gaiman como por ejemplo Casos Violentos, Orquídea Negra, Signal To Noise, Mr. Punch... Aunque los trabajos que más destacan de esta colaboración son las portadas de la serie The Sandman.

Ha diseñado desde portadas de discos, portadas de libros, Posters, carteles de importantes festivales de cine, etc hasta dirigido vídeos y cortometrajes.

The Week Before

Agente Morillas

-Frankie: sueño con una vida nueva en blanco y negro, llena de costuras y tinieblas, donde ser felices tú y yo. Eternamente, lejos del abominable mundo que nos rodea.

-Novia de frankie: a ver si te enteras, Frankie, siempre te estaré agradecida por haberme dado la vida y un cerebro, pero ahora soy moderna, leo revistas de cultura y tendencias y sólo me intereso por películas independientes de directores con nombres inpronunciables!

Mira que te lo dije...

Pero tú no podias hacerme caso no!

tenías que ser la más moderna!!!

Hola, un placer estar entre tus amigos!!! ;_) :D

Soy "niñoniñato", te he agregado a mis ff del fotolog, el blogspot y ahora en el top de myspace!!!

xDDD

Me encanta tu perfil ^^ y tus pics son geniales, se ve que tienes mucho estilo!!!

seguimos en contacto smuacks! :*****

Tira cómica de para la revista mensual H magazine.

Agente Morillas es una ilustradora barcelonesa de 30 años, la cual diseña desde éstas entretenidas tiras cómicas para revistas, hasta camisetas, chapas y muchas cosas más manejando un humor negro perspicaz de las situaciones más consuetudinarias.

¡Me encanta!

Pagína Web

Gelso (Oscuridad y ensoñación)

Gelso o Valentina (creo es que ese es su nombre real) es una fotógrafa italiana amante del surrealismo y que conocí hace unos meses por el myspace, le prometí que le dedicaría un post, y como lo prometido es deuda, aquí está. A mi, personalmente me encanta su particular manera de ver el mundo, tan oscura pero tan hermosa a la vez, como si las escenas quisieran redimirse a pesar de todo, y sino me creen, no se pierdan las increibles fotografías y composiciones que ésta chica hace.

Aquí su galería en DeviantArt: http://gelso.deviantart.com/

Brand Peters

Gallery

Nicoletta Ceccoli

Gallery

Michael Hutter

Hola a tod@s! bonne année! siento mucho no devolver a tiempo vuestros comentarios últimamente, pero he estado ausente unos dias tanto en materia como en espíritu. ( Y es que no todos los años se puede una dar el lujo de tener unos dias de asueto y holgazanería.)

Así pues, os obsequio como primer post de este año unas pocas imágenes de Michael Hutter, un ilustrador germano bastante interesante que utiliza diferentes técnicas de composición, pero todas con cualidades intrínsecas que van desde el horror victoriano y lo grotesco hasta lo sicalípticamente inquietante.

No olvideis pasaros pues por su Galería, la cual os prometo como siempre que no decepcionará en sustancia y contenido.

Sed buenos!

Análisis Tardío

Sé bien, sé bien que estoy en el fondo de la fosa;

que todo aquello que toco ya lo he tocado;

que soy prisionero de un interés indecente;

que cada convalecencia es una recaída;

que las aguas están estancadas y todo tiene sabor a viejo;

que también el humorismo forma parte del bloque inamovible;

que no hago otra cosa que reducir lo nuevo a lo antiguo;

que no intento todavía reconocer quién soy;

que he perdido hasta la antigua paciencia de orfebre;

que la vejez hace resaltar por impaciencia sólo las miserias;

que no saldré nunca de aquí por más que sonría;

que doy vueltas de un lado a otro por la tierra como una bestia enjaulada;

que de tantas cuerdas que tengo he terminado por tirar de una sola;

que me gusta embarrarme porque el barro es materia pobre y por lo tanto pura;

que adoro la luz sólo si no ofrece esperanza.

(Poema Inédito de Pier Paolo Pasolini)

Pier Paolo Pasolini (Bolonia, 1922-Roma, 1975)

Escritor y director cinematográfico italiano. Estudió en la Universidad de Bolonia e, influenciado por A. Gramsci, intentó sistematizar el hermetismo con el marxismo. Personalidad compleja y provocativa, en su faceta de escritor fue crítico, narrador y poeta, e intentó revalorizar lo popular como vehículo de expresión de la realidad. Son notables los ensayos Sobre la poesía dialectal (1947) y La poesía popular italiana (1960); las antologías Poesía dialectal del siglo XX (1955) y Antología de la poesía popular (1955); sus obras poéticas La mejor juventud (1954), Las cenizas de Gramsci (1957), La religión de mi tiempo (1961) y Poesía en forma de rosa (1961-1964); sus novelas Muchachos de la calle (1955), Una vida violenta (1959) y Mujeres de Roma (1960), y los dramas Orgía (1969) y Calderón (1973). En 1961 inició su carrera cinematográfica, en la que defendió el lenguaje popular y la investigación abierta y adogmática de la realidad. En sus películas inserta escenas líricas con el más descarnado realismo, lo que convierte su obra en una de las más originales de nuestro tiempo: Accatone (1961), Mamma Roma (1962), El evangelio según san Mateo (1964), Pajarracos y pajaritos (1966), Edipo rey (1967), Teorema (1968), Pocilga (1969), Medea (1970), la Trilogía de la vida (integrada por El Decamerón, 1971; Los cuentos de Canterbury, 1972; Las mil y una noches, 1974) y Salò o los 120 días de Sodoma (1975), que iniciaba una nueva fase de autocrítica que se vio truncada por su muerte tras ser asesinado en trágicas circunstancias.

Ruven Afanador

Ruven Afanador es un fotógrafo Colombiano, nacido en Bucaramanga (Santander) en 1958.

Jean-Luc Godard dijo a través de uno de sus más inolvidables personajes: "Fotografiar un cuerpo o fotografiar un rostro son dos maneras de fotografiar un alma". Y Ruvén Afanador sitió desde muy temprano, cuando vivía en Santander (Colombia) y aún no había encontrado respuesta para el océano de inquietudes que le planteaba su sensibilidad alerta, que su misión en este mundo era precisamente fijar recuerdos, recomponer memorias, revivir amores, rostros y cuerpos barrenados por el huracán del tiempo: dar un testimonio sobre las huellas que las almas dejan en la arena, demostrar que salvo estas, los demás rastros del paso del hombre sobre la tierra son fatalmente vulnerables, están destinados a convertirse en neblina.
Su temprana vocación para detectar la belleza y perpetuarla, lo llevó a ser un niño distinto, una criatura proustiana de tierra caliente, que recorría con exultación los salones y campos y habitaciones y rincones y escondrijos de una casa grande e imponente, la gran casona familiar de los recuerdos sensibles, el gran útero de todo lo que vendría luego, orgullosa matrona de piedra de uno de los mejores barrios de Bucaramanga y la estación más violenta de la vida.
Afanador partió hacia un exilio voluntario, no sin nostalgia, con el firme propósito de hacerse fotógrafo y de esa manera exorcizar y sofocar sus fantasmas, sus ángeles y demonios interiores y, sobre todo, el diálogo que los tiempos -pasado, presente y futuro- desatan en el corazón de los artistas, y el que sería letal si no existieran las herramientas del arte.
Se puso en contacto con "la ciudad de las ciudades", Nueva York, con sus movimientos espasmódicos, sus ojos enormes, sus lenguas voraces, sus universos múltiples. La cámara de Ruvén Afanador entró en acción muy pronto, pero, curiosamente, tomando fotos de allá el hombre daba testimonios de acá: el diálogo de los tres tiempos estaba instaurándose.

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Happy Birthday Mr. Blake!

UN SUEÑO

Cierta vez un sueño tejió una sombra sobre mi cama que un ángel protegía:

era una hormiga que se había perdido por la hierba donde yo creía que estaba.
Confundida, perpleja y desesperada, oscura, cercada por tinieblas, exhausta, tropezaba entre la extendida maraña, toda desconsolada, y le escuché decir:

"¡Oh, hijos míos! ¿Acaso lloran?

¿Oirán cómo suspira su padre?

¿Acaso rondan por ahí para buscarme?

¿Acaso regresan y sollozan por mí?"
Compadecido, solté una lágrima; pero cerca vi una luciérnaga, que respondió: "¿Qué quejido humano convoca al guardián de la noche?
Me corresponde iluminar la arboleda mientras el escarabajo hace su ronda:

sigue ahora el zumbido del escarabajo;

pequeña vagabunda, vuelve pronto a casa."

Willim Blake nació justo un día como hoy, un 28 de Noviembre de 1757, en Londres. Fue un poeta pintor, grabador y místico inglés. Aunque permaneció en gran parte desconocido durante el transcurso de su vida, actualmente el trabajo de Blake cuenta con una alta consideración. Por la relación que en su obra tienen la poesía y sus grabados respectivos suele ponerse a Blake como ejemplo del «artista total».
Considerar los logros de Blake en poesía o en las artes visuales por separado sería perjudicial para entender la magnitud de su obra: Blake veía estas dos disciplinas como dos medios de un esfuerzo espiritual unificado, y son inseparables para apreciar correctamente su trabajo. Por esta razón, las ediciones ilustradas de la obra de Blake han sido especialmente valoradas en el pasado, hasta que los avances en las técnicas de impresión han permitido una mayor difusión, al hacer éstas más accesibles.

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Dissolving Sanity (Armindo Dias)

Armindo Dias es un fotógrafo Portugués más conocido en la red como: "Negateven", pongo aquí unas pocas fotografías de la serie "Dissolving Sanity" la cual ha sido mi preferida de toda su galería, el porqué?

Creo que las razones sobran.

* Fliker
*DeviantArt
*Myspace

Últimos Cartuchos

La noche tiene ojos sin pupilas
y largas manos
Qué buen tiempo hace
Hay una estrella roja
y largas serpientes nocturnas
Hace buen tiempo
Es necesario gritar para no estar triste
las horas danzan
Es necesario rugir para no matar
para no morir cantando
para no enrojecer de vergüenza
y de rabia
Nada mejor que irse
tomar el bastón
y caminar
Cuando uno agota los nervios
y se enfurece
Qué buen tiempo hace
las campanas repican a difuntos
y por la gloria de las armas
todo tiene que volver a empezar
Pese a la oscuridad veo
cómo caen cabezas en el cesto
bajo el golpe de la guillotina
diviso ahogados que flotan
y ahorcados que se balancean

Se oyen gritos en los hospitales
Qué buen tiempo hace
Uno se mira en el espejo
por placer
y se encuentra realmente feo
pero uno piensa en otra cosa
para no desesperar
Qué se ve
realmente
qué se ve
El cementerio es encantador
hay flores coronas
cruces e inscripciones
Qué buen tiempo hace
Qué se oye
el sol toca el clarín
en las puertas de los cafés
es la batalla definitiva
la ciudad muere al son de las ranas
y las flores caen
severamente
como árboles desarraigados

Aquí están los hombres
están tan pálidos como los vivos
llevan corbatas rojas
bastones con punteras de plomo
y diarios de todos los colores
Se detienen
y juegan
a cara o cruz
Cada vez hace mejor tiempo
Banderas y música al frente
inclinamos la cabeza
porque cada vez estamos más
solos
pálidos
feos

Tenemos que reiniciar la marcha
a cara o cruz a risa de vino y licores
Los cafés están empavesados
como las sonrisas de las damiselas
avancemos siempre
pronto sabremos lo que ha de venir
Realmente hace muy buen tiempo.

"Poésies completes" (Philippe Soupault,1897-1990)

Jan Saudek (erotismo descarnado)

Este post va dedicado a mi querido amigo francés Will a quién le doy infinitas gracias por darme a conocer a éste impresionante y fantástico fotógrafo y artista plástico checo.

Estamos hablando de Jan Saudek, nacido en Praga, entonces Checoslovaquia, el 15 de mayo de 1935.

En 1951 colorea una foto, que su madre enseña al médico de la familia. Ésta asevera que es absolutamente mala, kitsch y que su estilo está pasado de moda, lo que desanima a Saudek a continuar con la fotografía por un tiempo. Paradójicamente, serán estas fotografías en blanco y negro coloreadas manualmente las que caracterizan y hacen, hoy en día, internacionalmente reconocible su trabajo.
En 1963 cae en sus manos el catálogo de la exposición Family of Man del fotógrafo americano Edward Steichen y entonces decide que lo que realmente quiere es dedicarse a la fotografía. Posteriormente, afirmará que con su trabajo lo que intenta es: “capturar todas las cosas que conozco y amo, pero sobre todo me gustaría dejar una huella del tiempo en que he vivido”.
En 1969 viaja a Estados Unidos, donde Hugh Edwards le anima a continuar con su labor artística. En la Universidad Bloomington de Indiana expone por primera vez en solitario.

A partir de los años setenta su trabajo empieza a ser conocido, pero hasta 1983 no publica su primer libro de fotografías. En reconocimiento a la trayectoria artística de Saudek, las autoridades comunistas le permiten abandonar en 1984 su trabajo en la fábrica y que se asocie a la Fundación de Artistas visuales Checoslovacos, lo que equivalía a su reconocimiento profesional como artista.

En 1990 es nombrado Caballero de la Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura francés y en 2006, finalmente en su país es galardonado con el Premio Artis Bohemiae Amicis.

Saudek fué uno de los primeros fotógrafos reconocidos por el mundo occidental. Al principio su fotografía era en blanco y negro, y después empezó a colorearla, dándola un estilo inconfundible. La temática gira en torno al erotismo, desnudez, sexualidad o la relación hombre/mujer. Es oscura, lujuriosa, irónica y complicada y qué duda cabe; un tanto inquietante.
Su trabajo mas conocido se observan mundos irreales representadas por figuras desnudas o semi-desnudas rodeadas por paredes de yeso o contextos pintados reutilizando con frecuencia elementos idénticos.
La editorial Taschen ha editado un libro bastante extenso del autor, en el que se pueden ver sus mejores obras haciendo un recorrido turístico a lo largo de su vida.

Página Oficial.

Fuentes:Wikipedia, Número F.

Rodney Smith

Surrealismo en Blanco y Negro

Rodney Smith es un fotógrafo surrealista y punto, y aprovecho el punto porque no hay mucha info sobre él en la red, no conseguí averiguar nisiquiera de donde proviene, aunque lo cierto es que observando éstas preciosas composiciones poco importa.

A mi personalmente se me antoja que el tipo éste ha sido bastante influenciado por Magritte, esos sombreritos creo que lo delatan al instante.

Rodney Smith es al parecer una gran figura en el mundo de la fotografía, ha escrito 2 libros y ha conseguido ganar 75 premios...casi nada!

¡Como me encantan esas escenas keatonianas que hacen parecer que estamos ante la belleza sutíl y vibrante de un clown depresivo!

¿Quieres ver la galería entera?

Pulsa aquí.

Jean -Claude Claeys

El autor de éstas magníficas, hiperrealistas e inquietantes ilustraciones es:

Jean-Claude Claeys, nació en París el 16 de Octubre de 1951, es un Ilustrador, dibujante, y guionista amante del cine negro, a diferencia de lo que se pueda pensar, su técnica primeramente no se basa sólo en el dibujo, sino en tomar fotografías de la escena para luego llevarlas a su tableta gráfica y revivirlas digitalmente....

"Violencia, erotismo tórrido y una atmósfera oscura y casi deletérea son las caracterizan la obra de Jean-Claude Claeys. Firma imágenes hiperrealistas en blanco y negro que perfectamente concuerdan con el cine negro de la postguerra. Finura del dibujo y del sentido de la puesta en escena …
Claeys verdaderamente se expresa a través de una estética de la restitución fotográfica. En su casa, la belleza está de acuerdo con la muerte.
Las mujeres se le antojan aún más bellas a la hora de perecer".

Leer más: (Wikipedia, en francés)



Más de su impresionante y extensa galería Aquí.

MARK MOTHERSBAUGH'S (Visión, Misión y obsesión)

Mark Mothersbaugh's fué el líder del conocido grupo de New Wave DEVO, Mark nació en Ohio en 1950, ha sido un músico devoto, un compositor apasionado, pintor y artista surrealista.

Mark empezó a crear cuando se dió cuenta de que se estaba quedando ciego, su miopía empezó a exacerbarse cada vez más y sus gruesos lentes le dieron una nueva perspectiva del mundo que lo rodeaba, empezando así su obsesión por toda clase de imágenes.

Sus primeros trabajos empezaron a finales de los años 60 y principios de los 70, y consistieron en dar forma a muchos materiales diferentes: ilustraciones en tinta, impresiones de pantalla, estampados con sellos, etc...

De aquella hizo varias exposiciones en Akron (Ohio) su ciudad natal y logró el reconocimiento gracias a un premio que le fué otorgado.

Después de irse de gira con los Devo, tuvo un tiempo de inactividad considerable, pero después pudo volver a lo suyo y empezó a hacer postales artísticas y enviarlas a sus amigos todos los dias y desde entonces hace 30 años que no ha parado de hacer lo mismo, se había convertido en una verdadera obsesión.

Al principio éstas postales servían de diario personal y nunca llegaron a ver la luz pública, pero todo cambió cuando Mark decidió compartirlas con las críticas mundiales de arte de todo el mundo y empezó a dar shows durante los años 80 y 90's, despues vino el tour de la "Homefront Invasion" en el 2003, enseñando toda su galería de mutantes, y finalmente el tour de "Beautioful Mutants" en el 2004.

Si os gustan los engendros, aquí puedes deleitarte con su galería.

Lo sé yo sólo como las palabras insomnes
que muerden oscuras la desesperanza,

yo sólo mientras llora interminablemente una rosa,
yo sólo álgido perseguido por la soledad que tanto mata,
yo sólo con la última verdad del recuerdo
que estrangula más su sino bajo el odio.


La carne era una desnuda amargura, una desnuda amargura,
y una alcohólica fiebre
ya moribunda de tanto perder la noche.
Pero la poesía es la única conversación que se tiene del tiempo.


Lo sé yo sólo, el hueso vivo del reloj,
con el nudo abierto del llanto, con el gris mágico.

Nada cumple perfección cuando sueño con el sexo del cuchillo,
ni la tarde más asesina de mil espejos.


Lo sé yo sólo aquí mientras el olvido ríe más y más,
mientras un triste niño empuja desnudo el cansancio
hacia el túnel ávido de la muerte incansable.


Pero la poesía es la piedra,
enseña el mar profundo al que sufre resistiendo
ciego quizás con los ojos arrastrando de ansiada esperanza.


Lo sé yo sólo hasta el fin de las estrellas.

Nada contará ahora con tu alma,
ni siquiera la sombra encantada que lucha contra la serpiente podrida.


Ni siquiera nadie, mentira de números viejos.

Oswaldo Roses

Diane Arbus (La magia de lo "freak")

Identical Twins, Roselle, N.Y.,1967

Diane Arbus (cuyo nombre de nacimiento era Diane Nemerov) nació en New York en 1923, era de ascendencia judía, y adoptó el apellido de su marido Allan cuando tenia 18 años. Hija de una familia adinerada, se quejaba de haber sido “demasiado cuidada” en su piso de la quinta avernida...
se suicidó en New York, un 26 de julio de 1971, se había cortado las venas. Además presentaba los síntomas característicos de una sobredosis de pastillas para dormir.

Influenciada por "Model" y una frase de la película: ("No pulsen el disparador hasta que el sujeto que enfocan les produzca un dolor en la boca del estomago") y tambien mayoritariamente de la película "Freaks" de Tod Browning, Diane Arbus eligió a personas marginales para sus fotografías: gemelos, enfermos mentales, gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo, etc. Los personajes miraban directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos.

Child with a Toy Hand Grenade in Central Park, N.Y.C., 1962

Gelatin silver print on Agfa14 7/8 in. x 14 11/16 in

Addison Gallery of American Art, Andover, Massachusetts

Jewish Giant at Home with his Parents, 1970

Su intención era producir en el espectador "temor y vergüenza". Fue Pionera del flash de relleno (flash de día). La fotografía de Diane representa lo normal como monstruoso: cuando fotografía el dolor, lo encuentra en personas normales. Provoca que la gente presuntamente normal aparezca como anormal. Rompe la composición, sitúa al personaje en el centro. Su mirada siempre es directa, con tensión y fuerza. Para ella no existe el momento decisivo, trabaja en continuo espacio temporal y obliga a los retratados a que sean conscientes de que están siendo retratados. Busca una mirada nueva, pasando del tedio a la fascinación.

Hermaphrodite and Dog in Carnival, 1970

“La fotografia es un secreto que habla de un secreto. Cuanto mas te dice, menos te enteras"

(Diane Arbus)

Vendrá la muerte y tendrá tus ojos (1951)

"Vendrá la muerte y tendrá tus ojos
ésta muerte que nos acompaña
desde el alba a la noche, insomne,
sorda, como un viejo remordimiento
o un absurdo defecto. Tus ojos
serán una palabra inútil,
un grito callado, un silencio.
Así los ves cada mañana
cuando sola te inclinas
ante el espejo. Oh, cara esperanza,
aquél día sabremos, también,
que eres la vida y eres la nada.

Para todos tiene la muerte una mirada.
Vendrá la muerte y tendrá tus ojos.
Será como dejar un vicio,
como ver en el espejo
asomar un rostro muerto,
como escuchar un labio ya cerrado.
Mudos, descenderemos al abismo."

Cesare Pavese. (escritor italiano, 1908-1950)

Dan Hilleir

El autor de éstas magníficas, pertubadoras, delirantes y kafkianas ilustraciones es el londinense: Dan Hillier.

En mi modesto parecer creo que no había hecho un descubrimiento de éste calibre en muuucho tiempo, hombres y mujeres de la era victoriana envueltos y agobiados entre tentáculos como argonautas refinados, animales alados con bellos cráneos descubiertos, hombres escarabajos trajeados con apariencia pérfida, todo esto y muchas maravillas cefalópodas más componen el universo de éste señor, que a partir de hoy ésta servidora se declara con mano derecha en pecho como su más ferviente admiradora.

Aquí más de su mayestática galería: http://www.danhillier.com/

Los Nueve Monstruos

Y, desgraciadamente,
el dolor crece en el mundo a cada rato,
crece a treinta minutos por segundo, paso a paso,
y la naturaleza del dolor, es el dolor dos veces
y la condición del martirio, carnívora, voraz,
es el dolor dos veces
y la función de la yerba purísima, el dolor
dos veces
y el bien de ser, dolernos doblemente.

Jamás, hombres humanos,
hubo tanto dolor en el pecho, en la solapa, en la cartera,
en el vaso, en la carnicería, en la aritmética!
Jamás tanto cariño doloroso,
jamás tanta cerca arremetió lo lejos,
jamás el fuego nunca
jugó mejor su rol de frío muerto!
Jamás, señor ministro de salud, fue la salud
más mortal
y la migraña extrajo tanta frente de la frente!
Y el mueble tuvo en su cajón, dolor,
el corazón, en su cajón, dolor,
la lagartija, en su cajón, dolor.

Crece la desdicha, hermanos hombres,
más pronto que la máquina, a diez máquinas, y crece
con la res de Rosseau, con nuestras barbas;
crece el mal por razones que ignoramos
y es una inundación con propios líquidos,
con propio barro y propia nube sólida!

Invierte el sufrimiento posiciones, da función
en que el humor acuoso es vertical
al pavimento,
el ojo es visto y esta oreja oída,
y esta oreja da nueve campanadas a la hora
del rayo, y nueve carcajadas
a la hora del trigo, y nueve sones hembras
a la hora del llanto, y nueve cánticos
a la hora del hambre y nueve truenos
y nueve látigos, menos un grito.

El dolor nos agarra, hermanos hombres,
por detrás, de perfil,
y nos aloca en los cinemas,
nos clava en los gramófonos,
nos desclava en los lechos, cae perpendicularmente
a nuestros boletos, a nuestras cartas;
y es muy grave sufrir, puede uno orar...
Pues de resultas
del dolor, hay algunos
que nacen, otros crecen, otros mueren,
y otros que nacen y no mueren, otros
que sin haber nacido, mueren, y otros
que no nacen ni mueren (son los más).
Y también de resultas
del sufrimiento, estoy triste
hasta la cabeza, y más triste hasta el tobillo,
de ver al pan, crucificado, al nabo,
ensangrentado,
llorando, a la cebolla,
al cereal, en general, harina,
a la sal, hecha polvo, al agua, huyendo,
al vino, un ecce-homo,
tan pálida a la nieve, al sol tan ardido¹!
¡Cómo, hermanos humanos,
no deciros que ya no puedo y
ya no puedo con tanto cajón,
tanto minuto, tanta
lagartija y tanta
inversión, tanto lejos y tanta sed de sed!
Señor Ministro de Salud: ¿qué hacer?
¡Ah! desgraciadamente, hombre humanos,
hay, hermanos, muchísimo qué hacer!


César Vallejo

Katherine Streeter

Katherine Streeter vive y trabaja en San Francisco, California. Sus ilustraciones aparecen en muchas revistas y sus pinturas son exhibidas en varias cafeterías locales de Estados Unidos.

Su arte mayoritariamente se basa en el collage mezclado con la pintura.

De toda su galeria, la serie "black and white" es la que más ha llamado mi atención, surrealismo y humor mezclados de la mejor manera.

Aquí su gallery: http://www.katherinestreeter.com/artmainpage.html

"La tierra parecía algo no terrenal. Estamos acostumbrados a verla bajo la forma encadenada de un monstruo dominado, pero allí, allí podías ver algo monstruoso y libre. No era terrenal, y los hombres eran... No, no eran inhumanos. Bueno, sabéis, eso era lo peor de todo: esa sospecha de que no fueran inhumanos. Brotaba en uno lentamente. Aullaban y brincaban y daban vueltas y hacían muecas horribles; pero lo que estremecía era pensar en su humanidad -como la de uno mismo-, pensar en el remoto parentesco de uno con ese salvaje y apasionado alboroto. Desagradable. Sí, era francamente desagradable; pero si uno fuera lo bastante hombre, reconocería que había en su interior una ligerísima señal de respuesta a la terrible franqueza de aquel ruido, una oscura sospecha de que había en ello un significado que uno -tan alejado de la noche de los primeros tiempos- podía comprender. ¿Y por qué no? La mente del hombre es capaz de cualquier cosa, porque está todo en ella, tanto el pasado como el futuro. ¿Qué había allí, después de todo? Júbilo, temor, pesar, devoción, valor, ira -¿cómo saberlo?-, pero había una verdad, la verdad despojada de su manto del tiempo.

Que el necio se asombre y se estremezca; el hombre sabe y puede mirar sin parpadear."

Joseph Conrad, "El corazón de las tinieblas" (fragmento).

Retablos (Judy Bustamante 1997)

Lieko Shiga

Estas fotografías pertenecen a LIEKO SHIGA, una fotógrafa japonesa afincada en Holanda hace algunos años.

Ella pretende, con un tratamiento de las imágenes bastante complejo donde en su cuarto oscuro y haciendo múltiples exposiciones de las fotos, nos muestra aunque sea de manera superficial algo que fué denominado: "fotografía espiritual" (en la que la energía de un espíritu impasible es recogido por una cámara sensible a la luz.)

La serie de su galería llamada: Lilly, (de donde extraje éstas fotos), dice que los modelos fueron sus propios vecinos, 30 personas de su edificio a las que perspicazmente quizo sacarles una luminiscencia sobrenatural, todas las imágenes sumergidas en la más profunda oscuridad se mezclan con bellas luces surrealistas y misteriosas que acompañan rostros, manos, y personas al borde del puro misticismo son simplemente maravillosas.

Flaming Creatures

*Director: Jack Smith
*Año: 29 Abril 1963 (USA)
*Reparto:
Francis Francine
Sheila Bick
Joel Markman
Mario Montez
Arnold Rockwood
Judith Malina
Marian Zazeela

El único inconveniente de los planos detallados de penes fláccidos y senos turgentes, de las escenas de masturbación y sexualidad bucal de Flaming Creatures de Jack Smith es que nos resulta difícil simplemente limitarnos a hablar sobre esta notable película: nos sentimos obligados a defenderla.

Pero al defender la película, y al hablar sobre ella, no quisiera presentarla con una menor atrocidad, con una menor fuerza de shock de las que posee. Como referencia: en Flaming Creatures una pareja de mujeres y un número bastante superior de hombres, la mayoría embutidos en vivos vestidos femeninos de la peor calidad, chispeantes, posan y gesticulan, danzan uno con otro, se libran a escenas diversas de voluptuosidad, frenesí sexual, romance y vampirismo, acompañados por una banda sonora que incluye algunos éxitos suramericanos (Siboney, Amapola), rock-and-roll estridente y sugestivo violín, pasodobles, una canción china, el texto de un descolorido anuncio de una nueva especialidad de “rimmel” de tono “corazón”.

Todo ello está representado en escena por una hueste de individuos, algunos en carretillas y otros no, y por una coral de estridencias y lamentos aflautados que acompañan el rapto en grupo de una joven de busto prominente, rapto que es alegremente transformado en orgía.
Como es lógico, Flaming Creatures ultraja, y pretende hacerlo. El mismo título nos lo indica.

Flaming Creatures no es, de hecho, pornográfica si definimos la pornografía por la intención y capacidad manifiestas de excitar sexualmente. Las escenas de desnudez y de distintos abrazos sexuales (con la notable omisión del estricto coito) están demasiado cargados de “pathos” e ingenuidad para resultar lascivos. Más que sentimentales o lascivas, las imágenes sexuales de Smith son alternativamente aniñadas y simpáticas.

La hostilidad policial a Flaming Creatures es fácil de comprender. Es inevitable, por desgracia, que la película de Smith se vea obligada a defender su vida en los tribunales. Lo deprimente es la indiferencia, la mezquindad, la radical hostilidad a la película desplegada por casi todo el mundo dentro de la comunidad artística responsable. Sus defensores son, tan apenas, un círculo leal de cineastas, poetas y jóvenes “Villagers”. Flaming Creatures no ha pasado de ser un objeto de culto, del exotismo, premio que lo incluye en el nuevo grupo de cine americano, cuyo organismo comunitario es la revista Film Culture. Todos deberían estar agradecidos a Jonas Mekas, que sin apenas medios, con tenacidad e incluso heroísmo, ha hecho posible que veamos la película de Smith y otras muchas de este mismo.
Con todo, deberá admitirse que los pronunciamientos de Mekas y su séquito son estridentes e incluso positivamente alienantes. Es absurdo que Mekas pretenda que este nuevo grupo de películas, que incluye a Flaming Creatures, represente una ruptura sin precedentes en le historia del cine. Semejante truculencia plantea a Smith dificultades, pues hace innecesariamente difícil aprhender los méritos de Flaming Creatures. Flaming Creatures, en efecto, es una pequeña pero valiosa obra dentro de una tradición particular, el cine poético de shock. En esta tradición estarían Un Chien andalou, L’Age d’or de Buñuel, partes de Strike, la película de Eisenstein, Freaks, de Tod Browning, Le Maitre fou, de Jean Rouch, Le Sang des Betes, de Franju, Laberinto de Lenica, las películas de Kenneth Anger (Fireworks, Scorpio Rising) y Noviciat de Nöel Burch.Los primeros cineastas vanguardistas americanos (Maya Deren, James Broughton, Kenneth Anger) realizaron cortometrajes que estaban técnicamente muy estudiados. Dados sus modestos presupuestos, el color, trabajo de cámara, actuación y sincronización de imágenes y sonido fueron lo más profesionales posibles.

La piedra de toque de los estilos vanguardistas del cine americano (Jack Smith, Ron Rice y otros, pero no Gregory Markopolous o Stan Brakhage) es su elaborada crudeza técnica. Las nuevas películas, tanto las buenas como las mediocres, obras sin inspiración, muestran una obsesiva indiferencia hacia a todo elemento técnico, un primitivismo estudiado. Esto es un estilo cabalmente contemporáneo, y muy americano. En ninguna parte del mundo ha tenido el viejo clisé del romanticismo europeo –la mentalidad asesina contra la espontaneidad del corazón– tan larga carrera como en América. Aquí, más que en ningún otro lugar, prospera la creencia de que la pulcritud y cuidado de la técnica interfieren la espontaneidad, la verdad, la inmediatez. La mayoría de las técnicas prevalentes (pues incluso estar contra la técnica exige una técnica) del arte de vanguardia expresan esta condición.

En la música, hay, en la actualidad, además de la composición, una interpretación aleatoria, así como nuevas fuentes de sonido y nuevos sistemas de mutilar los antiguos instrumentos. En pintura y escultura, está la posibilidad de descubrir nuevos materiales, y de duración, y la transformación de objetos en conjuntos perecibles (úsese una vez y tírese) o “happenings”. Flaming Creatures, a su propia manera, ilustra este snobismo sobre la coherencia y el acabado técnico de la obra.

Naturalmente, en Flaming Creatures no hay tema, ni desarrollo, ni necesariamente orden de las siete secuencias claramente diferenciables de la película (según mi cómputo). Es lícito sospechar de que se intentara incluso exponer repetidamente determinada pieza de montaje. Ninguna secuencia nos convence de que su duración haya de ser tal como es y no mayor o más reducida. Los planos no están cortados en el esquema tradicional; las cabezas quedan suprimidas, y al margen de la escena, aparecen a veces extravagantes figuras. La cámara es manual la mayoría de las veces, y la imagen a menudo tiembla (esto es plenamente eficaz, y a no dudar premeditado, en la secuencia de la orgía). Pero en Flaming Creatures, el desprecio a la técnica no desilusiona como ocurre con tantas otras películas recientes (clandestinas). Pues Smith es visualmente muy generoso; en prácticamente todo momento hay una enorme cantidad de imagen a ver en pantalla.

Y además, sus imágenes poseen una extraordinaria gracia y belleza, incluso cuando el efecto de las imágenes fuertes es contrarrestado por aquellas ineficaces que, gracias a una planificación, hubieran podido resultar mejor. En la actualidad, la indiferencia a la técnica va acompañada frecuentemente de la monotonía; la moderna revuelta contra el cálculo en el arte con frecuencia reviste la forma de ascetismo estético (gran parte de la pintura expresionista abstracta tiene esta cualidad ascética).

Flaming Creatures, sin embargo, deriva de una estética diferente: está abarrotada de material visual. En Flaming Creatures no hay ideas, símbolos, comentarios o crítica de alguna cosa. La película de Smith es estrictamente un regalo a los sentidos. En esto, es la antípoda del film “literario” (que eso fueron tantísimas películas francesas de vanguardia). El deleite de Flaming Creatures no reside en el conocimiento, o capacidad de interpretar que nos aporta sino en la directividad, la fuerza y la pródiga cantidad de las mismas imágenes.

A diferencia de la mayoría del arte moderno serio, esta obra no trata de frustraciones de la conciencia, de los mortales límites del yo. Así, la cruda técnica de Smith sirve, hermosamente, la sensibilidad que inspira Flaming Creatures, una sensibilidad que niega las ideas, que se sitúa más allá de la negación.Flaming Creatures es esta rara obra moderna de arte: trata de la alegría y la inocencia. A no dudar, esta dicha, esta inocencia, están trabadas en temas que, de acuerdo con los criterios normales, son perversos, decadentes, al menos, o en todo caso, altamente teatrales y artificiosos. Pero ésta es, a mi entender, la razón precisamente de la belleza y modernidad de la película. Flaming creatures es una muestra adorable de lo que corrientemente se entiende, en un cierto género, por el sugestivo nombre de Pop Art.

La película de Smith tiene la agresividad, la arbitrariedad, la soltura del arte pop. La película de Smith tiene también la alegría del arte pop, su ingenuidad, su desbordante libertad frente al moralismo. Una gran virtud del movimiento del arte Pop consiste en su forma de flagelar el viejo imperativo de tomar posición ante una determinada cuestión. (Ni que decir tiene, no estoy negando que haya determinados acontecimientos sobre los que sea imprescindible definirse. Un ejemplo de obra de arte referida a acontecimientos así es El Vicario. Simplemente pretendo decir que hay algunos elementos de la vida, sobre todo el placer sexual, sobre los que no es imprescindible definirse).
Las mejores obras de entre las que se denominan Arte Pop pretenden, precisamente, que abandonemos la antigua tarea de aprobar o desaprobar siempre lo que el arte expone; o, por extensión, lo que en la vida experimentamos. (Por esta razón quienes despiden el arte pop como síntoma de un nuevo compromiso, un culto de aceptación de los artefactos de la civilización de masas, se muestran obtusos). El arte pop se entrega a magníficas y nuevas mezcolanzas de actitud, que anteriormente hubieran parecido contradicciones. Así, Flaming Creatures es una brillante construcción sobre el sexo, plagada al mismo tiempo del lirismo del impulso erótico. Simplemente en un sentido visual está, además, cargada de contradicciones. Efectos visuales muy estudiados (superficies lacadas, flores inclinadas, cuadros) son introducidos en escenas desorganizadas, claramente improvisadas, en las que unos cuerpos, algunos formados e indiscutiblemente femeninos,y otros enjutos y peludos, dan volteretas, danzan, hacen el amor.La película de Smith podría considerarse, por su tema, poseída de la poesía del transvestismo.

Film Culture, al conceder a Flaming Creatures su recompensa de “Quinta Película Independiente”, dijo de Smith: “nos ha sorprendido no sólo por su mera piedad o curiosidad de lo perverso, sino por su faso de Transilvesya y la magia del país de las hadas ha iluminado una parte de la vida, pese a ser un parte despreciada por la mayoría de los hombres”.
Lo cierto es que Flaming Creatures, más que de homosexualidad trata de la intersexualidad. La concepción de Smith es afín a la concepción de las pinturas de Bosch de un paraíso y un infierno de cuerpos retorcidos, informes e ingenuos.

A diferencia de aquellas películas serias y desgarradoras sobre las bellezas y terrores del amor homoerótico, como Fireworks, de Kenneth Anger y Sang d’Amour de Genet, el hecho importante de las figuras de Smith es que no permiten distinguir fácilmente quiénes son hembras y quiénes varones entre “criaturas”, que se agitan en un gozo intersexual, polimorfo. El film está montado sobre una compleja red de ambigüedades y ambivalencias, cuya imagen primordial es la confusión de la líbido masculina y femenina.

El seno tenso y el pene tenso se hacen intercambiables uno con otro.Bosch construyó una naturaleza extraña, abortada, ideal contra la que situó sus figuras desnudas, sus visiones andróginas del dolor y el placer. Smith no tiene un trasfondo literal (resulta difícil decir en la película cuando estamos dentro o fuera), sino, por el contrario, el artificioso e inventado escenario del atuendo, el gesto y la música. El mito de la intersexualidad es representado contra un fondo de canciones banales, anuncios, vestidos, danzas, y sobre todo, el repertorio de la fantasía inspirado en las películas de alcoba.

La textura de Flaming Creatures está compuesta de una rica superposición de gusto “camp”: una mujer vestida de blanco (una transvestida) , con el rostro caído que mantiene un ramo de lilas; una mujer escuálida que surge de un ataúd, que se transforma en vampiro y, eventualmente en varón, un maravilloso bailarín español (también un transvertido) con enormes ojos oscuros, mantilla negra y abanico; un cuadro del Jeque de Arabia con hombres recostados en albornoz y una vampiresa árabe que exhibe hierática un pecho; una escena entre dos mujeres, recostadas en flores y harapos, que recuerdan la densa y cargada textura de las películas que rodeó a la Dietrich en las películas dirigidas por Sternberg en los primeros años treinta. El vocabulario de las imágenes y composiciones que inspiran a Smith incluye la languidez pre-rafaeliana; el Art Noveau, los grandes estilos exóticos de los años veinte, lo arábigo y lo español, el moderno sistema “camp” de saborear la cultura de masas.

Flaming Creatures es un triunfador ejemplo de visión estética del mundo. Una visión que, en la médula será quizá siempre andrógina. Pero este tipo de arte está aún por ser entendido en este país. El espacio en el que Flaming Creatures se desenvuelve no es el espacio de las ideas morales, en el que los críticos americanos han ubicado tradicionalmente el arte. Aquí pretendo que no hay sólo un espacio moral, cuyas leyes dejarían en muy mal lugar a Flaming Creatures. Hay también un espacio estético, el espacio del placer. En este espacio se mueve y tiene su ser la película de Smith.

(Texto extraído de "Contra la Interpretación" 1964, de Susan Sontag (novelista y ensayista norteamericana 1933-2004)

Super Recomendada *****

La pueden ver en: www.ubu.com (artist Index)

¿DÓNDE?

¿Me extravié en la fiebre?

¿Detrás de las sonrisas?

¿Entre los alfileres?

¿En la duda?

¿En el rezo?

¿En medio de la herrumbre?

¿Asomado a la angustia, al engaño, a lo verde?...

No estaba junto al llanto,

junto a lo despiadado,

por encima del asco,

adherido a la ausencia,

mezclado a la ceniza,

al horror, al delirio.

No estaba con mi sombra,

no estaba con mis gestos,

más allá de las normas,

más allá del misterio,

en el fondo del sueño,

del eco, del olvido.

No estaba.

¡Estoy seguro! No estaba.

Oliverio Girondo.

Hace tiempo ya que estoy enganchada a las letras de Oliverio Girondo, lo conocí gracias a la película de Dario Grandinetti: "El lado oscuro del Corazón", desde ese día una luz volvió a iluminarse en la estantería polvorienta donde habitan otros malditos olvidados, y lo que siento ahora es algo casi obsesivo, la última vez que fuí a la casa del libro no pude contener las ganas de reventar el bolsillo y me llevé de golpe: "Veinte poemas para ser leídos en el tranvía", "Calcomanias" y "En la Másmédula". Me quedé sin 1 céntimo en 15 dias, pero fuí feliz.

Ay! cuan grande fué éste tipo, me siento tan identificada con su melancolía incongruente, con el tedio virulento que invade cada una de sus tintas, con su falta de cordura, me encanta, me embelesa, me eleva!

El puro no

El no
El no inóvulo
El no nonato
El noo
El no poslodocosmos de impuros ceros noes que
noan noan noan
y nooan
y plurimono noan al morbo amorfo noo
no démono
no deo
sin son sin sexo ni órbita
el yerto inóseo noo en unisolo amódulo
sin poros ya sin nódulo
ni yo ni fosa ni hoyo
el macro no ni polvo
el no más nada todo
el puro no
sin no.

0OoOoOoOoOoOoOOoOoOoOoOoOoOoOoOoOoOo

Lo cotidiano, sin embargo, ¿no es una manifestación admirable y modesta de lo absurdo?

Y cortar las amarras lógicas, ¿no implica la única y verdadera posibilidad de aventura?

¿Por qué no ser pueriles, ya que sentimos el cansancio de repetir los gestos de los que hace 70 siglos están bajo la tierra?

Y, ¿cuál sería la razón de no admitir cualquier probabilidad de rejuvenecimiento?

¿No podríamos atribuirle, por ejemplo, todas las responsabilidades a un fetiche perfecto y omnisciente, y tener fe en la plegaria o en la blasfemia, en el albur de un aburrimiento paradisíaco o en la voluptuosidad de condenarnos?

¿Qué nos impediría usar de las virtudes y de los vicios como si fueran ropa limpia, convenir en que el amor no es un narcótico para el uso exclusivo de los imbéciles y ser capaces de pasar junto a la felicidad haciéndonos los distraídos?

"Pienso, en ocasiones, que quisiera cometer todos los crímenes, todos los vicios, todas las acciones bellas, nobles, grandes, beber la belleza, la verdad, el bien, de un solo trago, y dormirme después para siempre en el pacífico seno de la Nada. Déjenme llorar."

Diarios, Fernando Pessoa.

Noche sin fortuna

Sentado en mi taburete yo contemplaba: Que Antígona había puesto los codos sobre los flaquitos flaquitos brazos de mi primo, las rodillas sobre sus muslos esmirriados, dejándolo, pues, inmovilizado. Empezó a frotarle las orejas hasta dejárselas rojas y luego se las arrancó a mordiscos. Siguió con la nariz, las encías, luego a lamerle la manzana de Adán, y él no protestaba casi, yo veía como sus ojos giraban por todo ese cuarto, cuadros de sus padres, fotos ampliadísimas de paseos y fincas, fusiles sin balas, yo sentado, asombrado, quieto, sintiendo como mis granos ebullian, contemplando como era devorado mi primo, y ella ni se movía casi, a no ser que su estómago bajara y subiera sobre él en la respiración agitada del que come con hambre.
¿Cuanto haría que ella no comía? ¿Qué pensaría mi primo, le abrí la puerta al primer visitante y me dejó entrar la muerte? Y no la muerte a secas señores, la muerte en esa forma. Luego ella empezó a susurrar las palabras más amorosas del mundo y bajó la mano y le bajó el cierre relámpago de su Blue-jean Levis y tenía el pipí parado! me levanté muerto de celos, patié esa mano que agarraba el miembro en forma de pepino, enorme para su edad.
Mi primo soltó un berrido, ella me voltió a ver con carne blanca y pelos negros en la boca y me alejó con una especie de resoplido de ballena o de tigre y tiburón. "Está bien, está bien",pensé, y me senté de nuevo.Ahora el que hablaba era él.
Decía que le lamiera primero el pecho y que después mordiera, ¿Así?", decía ella, y acto seguido mordía, y él "sí, así", y luego "más duro", y ella "¿más duro qué?", "la lamida, la lamida", decía él, claro, por que la mordida no podía ser, porque cada mordida era duro, debía doler terriblemente. Reloj en mano comprobé cuanto duró la cosa, hasta los huesos, hasta que ella no necesitó agazaparse sino reclinarse como en posición yoga y chupar los fémures, exquisitos, los cartílagos de codos y rodillas, le dio una chupada a cada bola de cada rodilla, no dejó una sola sobra, un solo desperdicio, operación limpísima, limpísimo el esqueleto de Mariátegui mientras yo sentía un río de agua hirviendo adentro y podía avergonzarme del olor que despedía mi piel toda, lista para ser comida, ella respiraba cada vez más espaciadamente y luego se echó sobre el esqueleto y reposó, y yo me paré del taburete inquieto, y te pregunté: "¨Y ahora yo? ¨Y yo qué?". Ella no me contestó: dormía. "Noche sin fortuna"

Cae la tarde, la luna que vendrá a nosotros. Pasa de nuevo, mujer, porque me gustas. Te doy un pase para el cine club? un pase a mi corazón, te lo diría mejor así tengo una muralla de humo a mi alrededor, y nadie, nadie se equivoca con respecto a mí. Gracias a ti, Antígona, que me elegiste de sólo posar tu mirada en mí y me diste el entendimiento, la inmediata comprensión de que me habías elegido, y de que en ese acto se me iba, está bien, digamos, mi razón, mi orden, mi especial modo de ser con la disciplina que confunde a mis compañeros, a mis seres queridos, ya no más queridos si te quiero a ti y los comparo con ellos. Erraré por estas calles y te buscaré hasta encontrarte, hasta que sientas una vez más deseo de mí, deseo de la carne fresca que te consigo. "Tengo para ti muchachos rubios, de bolas infladas para que mordisquees y chupes y soples si te sientes asesina. Búscame y encuéntrame, te lo suplico. No me dejes más en este andén, sufriendo las burlas de mis conocidos, de la gente que me mira y tiene que comentar, tiene que contar e inventar canciones de la que llaman mi decadencia. Pero como va a ser decadencia si tengo un motivo tuyo entre mis cejas, entre mi árbol del pan, mi cinturón de Hermes, averiado y todo pero férreo en ti, si lo hubiera utilizado para amarrarte, para golpearte en la cara y azotarte en la espalda cada vez que me fallaras, cada vez que olvidaras darme la oportunidad de probarte que yo no te fallaré jamás, Eva primigenio, que me encontrarás en esta esquina a la hora que te dé la gana divina, la gana hermosa de venir a mí y estar bien, parar tu carrito Simca, abrir la puerta, tenderme la mano, reclamarme, ayudarme a parar, yo me desgonzaré y dejaré que me sobes la cabecita, porque me lo merezco, porque he esperado mucho y he sufrido, me sobarás la cabecita y me besarás el cuello, y me dirás las mil razones de tu necesidad de mí, me instruirás, me indicarás en la dirección que ahora quieres ir, la edad de las víctimas, se me da un pepino que sean en realidad los mejores amigos, en realidad, los mejores amigos míos. Ven, ven por mí.

Andrés Caicedo.

Bajo las entrañas, ANA MENDIETA.

Ana Mendieta (Untitled, 1976).

Ana Mendieta (1948-1985) fué una artista cubana que fué enviada a los 12 años de edad a los Estados Unidos debido a la "Operación Peter Pan", denominación que fué dada por los opositores (mayoritariamente personalidades importantes de la iglesida cubana) y que antes fueron simpatizantes del gobierno de Castro, despues de que Este calificara su gobierno de comunista absoluto y proclamara su revolición socialista decidieron enviar a USA muchos de los niños con edades comprendidas entre los 6 y 16 años, decidiendo que estas declaraciones pondrian en peligro sus creencias políticas y religiosas.

Ana Mendieta, Glass on Body, Iowa, 1977

Después de haber nacido en Cuba en 1948 y de haber vivido una vida tranquila y económicamente estable en el seno de una familia aristócrata de ascendencia europea, Ana Mendieta tuvo que cambiar la percepción racial de sí misma y aprendió a vivir de la caridad. Las hermanas sufrieron del racismo típico de una sociedad no acostumbrada a tener cerca personas de color, ‘diferentes’. Fueron llamadas “negras”, “putas” y les llegaban anónimos que decían “vuelve a Cuba”. Estas experiencias hicieron que Ana Mendieta siempre se calificara a sí misma como una artista y mujer de color, o como una artista no blanca.

Ana Mendieta, se graduó de "Pintura" de la Universidad de Iowa en 1972, pero trabajó la escultura, la fotografía, y fué autora de varias performances.

Ana Mendieta supo plasmar en el grado más alto de una identidad ambigua pero soñadora, naturalista y tenaz las sombras de la orfandad del alma y del cuerpo, buscando sobretodo el origen, el epicentro del ser.

Toda la obra de Ana estuvo fuertemente marcada por el exilio, la destructuración de raices, la preocupación por la mujer, pero sobretodo por la vida y la muerte que según como Ella decía siempre son dos cosas imposibles de separar.

Y como un último telón que se cierra para siempre por la insondable muerte, Ana Mendieta vivió siempre para reivindicar su papel, el de un ser marginado en una sociedad vomitiva y destructiva, Ana murío de una manera extraña, entró en contacto con el cruel asfalto de New York que la esperaba sigilosamente, cayéndose de un 34 piso, a la edad de 36 años después de haber discutido con Carl Andre, su compañero sentimental.

De este oscuro y extraño acontecimiento surgieron muchas interrogaciones, ya que el marido de Ana dijo siempre que Ella se había arrojado al vacío por la ventana aquél 8 de septiembre de 1985. Se publicaron tambien muchos libros acerca de la muerte de Ana Mendieta, no quedando esclarecida nunca la razón de aquella siniestra muerte.

Ana Mendieta, de la serie: "Tree of Life"

Esta obra, donde la artista aparece semioculta entre las rocas y cubierta por un volumen de flores silvestres nos remite a un enterramiento. Simbólicamente al ocultarse en la tierra, su cuerpo vuelve a ser parte de la naturaleza y de él surge de nuevo la vida. Es un discurso muy cercano a la religión en el que el ciclo natural de la vida da lugar a una reencarnación entendida como la transformación de un cuerpo natural en otro, en el infinito ciclo de transformación de la naturaleza.

(Silueta Works, 1973, 1977)

"Mi arte es la forma en que restablezco los lazos que me unen al universo. Es un regreso a la fuente materna. Me convierto en una extensión de la naturaleza y la naturaleza en una extensión de mi propio cuerpo. Este acto obsesivo de reafirmar mis lazos con la tierra es en realidad una reactivación de creencias primigenias, una fuerza femenina omnipresente, la imagen posterior de estar encerrada en el útero, es una manifestación de mi sed de ser"

Ana Mendieta.

Concierto MADRE DEL VIZIO + Date At Midnight

*5 de julio de 2008

*Sala Moby Dick

(Avda de Brasil, 5)

*Entrada: 20 € anticipada, 22 en taquilla.

Bebida

Bebo la oscuridad del incrédulo del vaso de tu boca.

Tomo por hueso el beso, que es desnudo y es del muerto

el habla, y es del vivo adorno, es rulo,verdad, afeite,

máscara y desnudo.

Recibo del abrazo el rasgón.

Sueño de tu ojo la afección por mí, luego

el consuelo y el amor. Tiemblo. Dudo.Quiero beber, tomar, recibir.

¡Dame, golpea tu espada en mí, abre, hiéreme,riega lo que ningún

líquido lave!

Márcame, rásgame con el filo de tu sable.

Quita matando que cobarde temela temerosa de mi nombre.

Te digo: ¡dame!

Carmen Boullosa.

Poeta, novelista, antóloga y dramaturga mexicana nacida en Ciudad de México en 1954. Estudió Letras Hispánicas en las universidades Nacional Autónoma e Iberoamericana de México. En 1976 obtuvo la beca Salvador Novo de Bellas Artes, en 1980 la del Centro Mexicano de Escritores y en 1992 la de la Fundación Guggenheim.

Fue redactora del Diccionario del Español en México de El Colegio de México y fundadora en 1983 del Taller Editorial Tres Sirenas. Obtuvo el Premio Xavier Villaurrutia de novela 1989 por «Antes».De su obra poética podemos resaltar «El hilo olvida» 1978, «La memoria vacía» 1978, «Ingobernable» 1979, «La voz y método completo de recreo sin acompañamiento» 1983, «La salvaja» 1989, «Todos los amores: Antología de poesía amorosa» 1997 y «La bebida»

La araña cuelga demasiado lejos de la tierra

La araña cuelga demasiado lejos de la tierra,

tiene ocho patas peludas y rápidas como las mías

y tiene mal humor y puede ser grosera como yo

y tiene un sexo y una hembra

-o macho, es difícil saberlo en las arañas-

y dos o tres amigos, desde hace algunos años

almuerza todo lo que se enreda

en su tela y su apetito es casi como el mío,

aunque yo pelo los animales antes de morderlos

y soy desordenado,

la araña cuelga demasiado lejos de la tierra

y ha de morir en su redonda casa de saliva, y yo cuelgo

demasiado lejos de la tierra pero eso me preocupa:

quisiera caminar alegremente unos cuantos kilómetros

sobre los gordos pastos antes de que me entierren,

y ésa será mi habilidad.

Antonio Cisneros (Poeta Peruano)

Extraído de "Canto Ceremonial contra un Oso Hormiguero" 1968.

El accionismo de Viena

Como todos los movimientos artísticos nacidos en la Europa de la postguerra, el Accionismo acoge en su seno una serie de prácticas artísticas -podríamos decir- aunque van mucho más allá de lo puramente artístico, que encierran manifestaciones de descontento con la situación y que, por supuesto, son herederas de la descomposición de Europa que supuso tanto la situación alemana de la preguerra, como los efectos devastadores del conflicto.

El movimiento nació algunos años más tarde, pero sin duda era algo que se venía arrastrando desde atrás. Muchos países fueron desmantelados y vueltos a reconstruir dando paso a una situación que, al menos al principio, no era o no parecía ser más que un equilibrio inestable, como se puso de manifiesto con la “guerra fría”. Esto, como es lógico, tuvo su referente en las artes y en el caso del Accionismo de una manera verdaderamente radical y agresiva. Sin lugar a dudas, tanto en Berlín como en Viena se había creado un caldo de cultivo extraordinario para que los artistas llevaran hasta el extremo sus manifestaciones.

Pero este extremo les constó no pocos problemas, en incluso denuncias y cárcel a algunos de ellos.

Cuatro son los artistas que centraron más claramente las propuestas del movimiento y los que lo radicalizaron de una forma más clara. Huían de la presentación de un arte “tradicional” y de los soportes habituales. Su cuerpo, también conectado en esto con otras propuestas como el body art, era su principal arma y su campo de experimentaciones. Günter Brus, Otto Mühl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler son las principales banderas del movimiento y desarrollaron su trabajo entre 1960 y 1971. Pero la radicalidad de su trabajo no solo se manifestó en su obra “plástica”, sino también en sus propuestas teóricas.

El título de algunas obras habla por si solo: Cuerpo pintando, Mano pintando (1964), de Brus, Degradación del cuerpo femenino, degradación de una Venus (1963) de Mühl y Nitsch. Luchaban por la destrucción del arte, por pasar página sobre lo que se había hecho hasta el momento y crear un “arte nuevo”.

Estas propuestas se pusieron de manifiesto en 1966, cuando se celebró en Londres el primer “Simposio de la Destrucción en el Arte”, donde también se encontraron con los pertenecientes al Fluxus, que desde Alemania hacían otro tanto, aunque con unas propuestas menos “radicales”. Esta reunión supuso el reconocimiento oficial a nivel internacional de la obra de varios accionistas, en especial de Brus, Mühl y Nitsch. Su trabajo consistía en acercarse a través de diversas prácticas performativas a los impulsos reprimidos, los tabúes sexuales y los miedos soterrados de la sociedad burguesa de Viena, recurriendo a una parafernalia escenográfica que aún sigue resultando molesta (más aún en un momento dominado por la ética y estética de lo “políticamente correcto”.

*Günter Brus: Realiza acciones de muy diversa índole con nombres como Autopintura o Automutilación. Aparte de sus performances dedicadas a la automutilación, destacar la denominada Acción nº33 o Arte Revolución, que tiene lugar en la Universidad de Viena y que consiste en que Brus se desnuda, se corta en el muslo y en el pecho con una navaja de afeitar, orina en un vaso, se lo bebe, se unta el cuerpo con heces y luego se masturba mientras canta el himno nacional austríaco.

*Rudolf Schwarzkogler: Junto a Brus, el más radical del grupo. Recordar su Acción 6.Envuelto en vendas, reducido al mínimo movimiento. A su alrededor hay una botella, un estetoscopio, un pollo muerto...Rudolf se arrastra por el suelo y absorbe líquido a través de un tubo. Posteriormente lleva a cabo otras acciones en las que se lesiona y mutila como medio de liberarse de los tabúes relacionados con el cuerpo.

*Otto Mühl: Afirma: “Porque vivo en un mundo técnicamente civilizado, a veces siento la necesidad de revolcarme en el barro como un cerdo”. Desarrolla numerosas acciones como Acción cordero, Pene y vaginación, Manopsychotic ballet, Leda y el cisne (en que el cuerpo de una mujer es cubierto de plumas, yema de huevo, pintura...) También destacar sus dibujos en los que mezcla sexo y muerte.

*Hermann Nitsch: Se centraba más en performances ritualizadas como por ejemplo, el uso de sangre de animales para acciones como el Teatro de los misterios-orgías. Pero la acción más polémica de Nitsch es La concepción de María, que dura diez horas y en la que usa iconografía católica mientras varias personas frotan sangre y vísceras sobre el cuerpo desnudo de una mujer. Vemos, por tanto, cómo se toma como referencia el cuerpo humano, tanto como objeto de mutilación, como objeto pasivo que puede ser cubierto de pintura, plumas, sangre... El accionismo vienés, en definitiva, representa una ruptura con las manifestaciones artísticas anteriores, no sólo con la pintura y escultura, sino con la performance tal y como había sido entendida antes de la aparición de los artistas vieneses.

Aquí puedes ver un vídeo de Otto Mühl, de 1967 titulado: "Kardinal"

Mucha info extraída de: Art·Signal (Revista de arte contemporáneo).

"To Destroy a Vampire" by Blackie Seymour

El más famoso vampiro de todos los tiempos fué un actor llamado Bela Lugosi.

Edward Van Sloan demostró que con una cruz se podia destruir al vampiro, pero los grandes de Hollywood utilizaron la cruz para crucificar a Bela Lugosi. Ahora, posiblemente pienses "Oh, no, otro articulo sobre Bela Lugosi. Hay demasiados sobre él. ¿Que puede haber de nuevo en este?" Bien, eso es lo que yo pensaria, y lo ignoraria por completo, pero te recomiendo que lo leas. No cubriré la carrera de Bela Lugosi antes de Dracula. No estoy interesado en su vida personal. Sólamente en cómo fue su carrera cinematográfica según me han contado sus compañeros y amigos que trabajaron con él.

Para empezar, Lugosi ya habia interpretado a Dracula antes de hacerlo en el cine, y con bastante éxito. Fué en Broadway, cuando Universal obtuvo los derechos de la novela de Bram Stoker, es bien conocido que Lon Chaney era el actor llamado a interpretarlo.

Pero desgraciadamente, el actor murió de un cancer de garganta entonces el estudio pensó en otros actores, como Ian Keith, Chester Morris, o Paul Lukas, a pesar de que Lugosi ya lo estaba interpretando en el teatro con un absoluto éxito. Finalmente, probaron a Lugosi y el resto ya es historia.
En Dracula, algunas de las mejores escenas y mas largas de Bela fueron eliminadas, y la pelicula quedó mas o menos en 75 minutos. Tambien fue cortado el epilogo de Van Sloan perdiéndose para siempre. Lugosi, despues de esta pelicula, se convirtió en la mejor estrella que tenia la Universal para las peliculas de terror. El siguiente proyecto fué 'Frankenstein', dirigida por James Whale. Pero a Lugosi no le entusiasmó la idea, ya que su rostro tenia que estar oculto bajo una gruesa capa de maquillaje, y apenas tenia dialogos.

Se planeó que el monstruo hablara antes de que finalizara la pelicula, pero la idea fue desechada. La prueba realizada a Lugosi, con un maquillaje distinto al que conocemos, no convenció a nadie y menos aun a Bela. Además, Bela se opuso a que su voz no fuera oida, ya que se habia esforzado por aprender inglés cuando comenzó la época sonora del cine. Esto y la molestia del maquillaje, hizo que rechazara el papel.
Afortunadamente, James Whale encontró a alguien que podia interpretar el papel. Digo "afortunadamente", porque Boris Karloff era el hombre adecuado para el trabajo. La pelicula tuvo un éxito inmenso, y el estudio decidió seguir explotando a Karloff, y lo pusieron en la siguiente pelicula de Whale 'The Old Dark House' (1932).

¿Y ahora qué con Lugosi? Bien, le ofrecieron el papel del Dr. Mirakle en 'Murders in the Rue Morgue' (1932), que era un papel sustancioso y bueno, y Lugosi hizo todo lo que él sabia hacer. Robert Florey la dirigió con un estilo similar a 'El gabinete del doctor Caligari'. La dirección de los actores funcionaba más como una parodia de una pelicula de terror, que de horror verdadero; no fue buena para la imagen de Lugosi, imagen que el estudio parecia no cuidar. La pelicula tuvo escenas cortadas, y a otras se les alteró el orden.

Ahora, y por razones que desconozco, Bela decidió trabajar en otros estudios de cine. Posiblemente fué idea de algún manager, pero los resultados fueron los mejores de su carrera, aunque los papeles eran en algunos casos pequeños. La excepción fué 'White Zombie' (1932), actuando como el asesino Legendre. La pelicula, una independiente lanzada por United Artist, y dirigida por Victor Halperin, consigió una actuación perfecta de Lugosi, y brilla y domina totalmente la pelicula. Pero el héroe desgraciado se parecia más a los actores tipicos de las peliculas mudas.
En 'The Black Camel' (1931) con Warner Oland como Charlie Chan, Lugosi interpretó a Tarneverro, un cazafortunas que ayuda al detective chino a solucionar el crimen. Muchas buenas escenas y una excelente dirección. Bela incluso consigió trabajar de nuevo con Dwight Frye, que resulta ser el asesino.
En 'Chandu The Magician' (1932), Bela interpretó a Roxor, el enemigo de Edmund Lowe, que por razones por todos sabidas desea destruir a la civilización. Bela brilla también en este papel.
En 'Island of Lost Souls' (1933), todos parecian estar más tiempo en pantalla que Bela. Era obvio que lo utilizaron sólo por su fama.

Ahora, intentó actuar en una comedia dirigida por el especialista Eddie Sutherland en 'International House' (1933), que tenia talentos como W. C. Fileds, Stuart Erwin... Bela era el general Nicholas Petronovich, un tipo muy siniestro, pero con un lado cómico. En esta pelicula, Lugosi demostró que era capaz de hacer comedia en un estilo que los tebeos de hoy envidiarian.
Luego se fué a la productora Columbia para hacer 'Night of Terror' (1933), que aunque tenia una buena base argumental, fué una perdida de tiempo. Ni Bela podia salvar esta pelicula.
Entonces de nuevo fué a Universal, donde alguien tuvo la idea de reunir a sus dos grandes estrellas de terror. El resultado fué una de las mejores actuaciones en la carrera de Bela, como el Dr. Vitus Werdegast, frente a Boris Karloff, como Hjalmar Poelzig, en 'The Black Cat' (1934), dirigida por Edgar Ulmer. Fué una de las mejores peliculas que se han hecho jamás. Un diamante que durará para siempre. El papel de Lugosi era fuerte y bien equilibrado con el de Karloff, que hacia de malvado, del que Bela queria vengarse. Lugosi incluso tiene excelentes lineas después de que Karloff dijera la última palabra.
El éxito de la pelicula dió pie a la Universal a que esta probara de nuevo el experimento que tan buen resultado habia conseguido. Fué con 'The Raven' (1935), dirigida por Louis Friedlander. De nuevo Lugosi con Karloff, que se habia convertido en la figura de terror de la Universal. Pero cualquier persona que la ha visto, sabe que la pelicula es de Lugosi desde el comienzo. Para empezar, el argumento giraba enteramente en torno a Bela, con Karloff apareciendo a los 15 minutos. Asi que es de justicia darle el premio a Bela.

Muchos papeles hizo Lugosi en los años 30, incluyendo el de chino en 'The Mysterious Mr. Wong' (1935). Su talento brillaba, pero 'Mark of the Vampire' (1935), con la MGM, no era digna de su talento. No tiene ningún diálogo hasta el minuto final, y fué utilizado sólamente para aprovecharse de su imagen de Dracula.
De nuevo la Universal reunió a Lugosi y Karloff en 'The Invisible Ray' (1936). El Sr. Karloff mereció el mejor papel, pero el de Bela era un poco superior y más fuerte, con las mejores lineas habladas de toda la pelicula. Sin embargo, su nombre estaba por debajo del de Karloff, tanto en la pelicula como en la publicidad.
Luego, la Universal fué comprada por Charles R. Rogers, que tenia decidido no hacer más peliculas de terror. ¿Que hacer entonces con sus estrellas mas famosas del genero? Karloff intervino en una pelicula de gansters, y a Lugosi le dieron un pequeño papel como dueño de un nightclub en 'Postal Inspector' (1936)
Al año siguiente todo mejoró, porque el estudio cambió de manos otra vez, y se pensó en hacer nuevas peliculas de terror. A Rowland V. Lee le encargaron dirigir 'Son of Frankenstein' (1939) en Technicolor. Lee era un gran director, y normalmente conseguia lo que queria. Basil Rathbone, Lionel Atwill, junto con Karloff intervendrian en la pelicula. Momentos antes de la producción, se decidió de nuevo que la criatura no hablara. Pero como las lineas ya estaban escritas, se sugirió que se añadiera un nuevo personaje, y asi se hizo. Lugosi interpretó a Igor, y fué una de sus mejores actuaciones. Su cara, su voz y manierismos no recuerdan nada a Lugosi. Originariamente, Igor era un pastor (que explicaba asi su cuerno) pero fué cambiado a herrero. También explica el cambio de guardarropa del monstruo, ya que él vestia un chaleco de lana provisto (suponemos) por Igor.
Después del éxito de Son of Frankenstein, uno podria pensar que Lugosi estaria muy solicitado, pero solo intervino en papeles sin importancia hasta que sobrevino el engaño mas grande del que fue victima. Otra vez un duelo entre él y Karloff en 'Black Friday' (1940). A Bela le ofrecieron el papel del Dr. Sovac, un evadido de Europa al comienzo de la guerra y al que no se le permitia realizar operaciones quirurguicas. Karloff por otra parte era George Kingsley, un hombre reservado que seria transformado en un ganster por una operación de cerebro realizada por Lugosi después de un accidente.
Pero la Universal decidió cambiar los papeles, cuando se advirtió que Bela ocupaba mucho tiempo de pantalla. Asi, Lugosi desempeñó el papel de Kingsley y su after ego Red Cannon. Hay una escena que apoya esto, y es cuando un disparo mata a la primera victima en un callejón, y sólo se ve la sombra del que dispara. Nadie podria confundir la sombra de Lugosi. Pero de nuevo el estudio intervino otra vez, y el papel de Lugosi fue dado a Stanley Ridges que hacia del ganster rival Eric Marnay. De hecho, se corrigió cierta escena donde Lugosi estaba dispuesto a matar a su victima. Lugosi pasó a interpretar a Eric Marnay, un personaje secundario. Para calmarlo, le escribieron una escena importante y la explotaron en la publicidad. Fue la famosa hipnosis de Lugosi, que debia hacer creer que se asfixiaba verdaderamente en un armario. Una pared de vidrio se utilizó para filmar la escena.

Sin embargo, en el último minuto la mayor parte de la escena se dejó en la sala de montaje, y sólo la voz de Lugosi se podia oir de fondo.
De personaje principal, al de secundario y con escenas cortadas. Sinceramente, un trato denigrante. Pero a fin de cuentas, habia una pequeña satisfacción, y era el temor del estudio a que Lugosi estuviese mas tiempo en pantalla que Karloff. Pero no es gran alivio. Esto no es nada contra Karloff, que es un actor magnifico. Solo es ironia.
Después el estudio decidió hacer 'The Black Cat' (1941). Comedia siniestra que sólo utilizó el prestigio del nombre de Lugosi. En el guión original, Lugosi es el sospechoso principal de una serie de asesinatos, y hay muchas escenas donde él aparece entre cortinas, escondido, etc. Pero de nuevo, su papel se redujo a la mitad en el montaje.
Ahora, Universal habia hecho un gran descubrimiento: Lon Chaney Jr. el hijo de Lon Chaney, se iba a convertir en la nueva estrella del cine de terror, e iba a ser lanzado con 'The Wolf Man' (1942). Pero querian que tuviera el apoyo de grandes actores, y asi, además de Claude Rains, Ralph Bellamy, Maria Ouspenskaya, Warren William, Patric Knowles y Evelyn Anker, le ofrecieron a Bela Lugosi el papel del hombre lobo que le contagia la licantropia a Larry Talbot. Lugosi aceptó. Además de utilizar su propio nombre en la pelicula, Bela, le garantizaron que su papel era lo suficientemente importante y grande como para no sentirse defraudado. Pero a medida que rodaba las escenas, su papel fue cortado, y con apenas unas lineas habladas, desaparece de la trama.

El hombre lobo tuvo un éxito abrumador, y el estudio decidió utilizar de nuevo a Chaney en el resurgimiento de la criatura de Frankenstein en 'The Ghost of Frankenstein' (1942), pero necesitaba el apoyo del personaje de Igor. Asi que el papel se le dió de nuevo a Lugosi, y él lo hizo estupendamente. Cuando finaliza la pelicula, los discursos del monstruo con la voz de Lugosi, ya que el monstruo tenia el cerebro de Igor transplantado, hace de este final uno de los más grandes finales de todas las peliculas de horror, entonces vino el mayor de los insultos. El estudio decidió hacer 'Frankenstein Meets The Wolfman' (1943), dando a Chaney Jr. un papel doble: el del hombre lobo y el de la criatura. Pero esto, evidentemente, era mucho para un solo actor. Asi, el monstruo le fue ofrecido a Bela Lugosi, porque ahora la criatura hablaba con la voz de Igor, y eso eliminaria que Bela tuviese que doblar a alguien. Lugosi aceptó el papel que él habia rechazado once años atrás porque ahora tendria dialogos. Experimentó los tormentos del maquillaje, y se vió que el dialogo del personaje era ridiculo. ¿Entonces se cambió? No. Se decidió que todas las lineas de dialogo del monstruo se eliminaran, y que Bela tenia que volver a hacer las nuevas escenas sin dialogo. Pero Lugosi se negó, y se fué del estudio prometiendo no volver nunca mas. El estudio, presa del pánico, usó a Gil Perkins, que habia doblado a Bela en las escenas de la pelea, y lo utilizaron para un primer plano de Lugosi de nuevo. Asi que la primera vez que el monstruo se ve, no es Lugosi.
Posiblemente su mejor papel después de este insulto fué 'The Return of The Vampire' (1944), de la productora Columbia, que ciertamente se hizo para aprovecharse de su fama de "Dracula", pero que la sitúa en una de las mejores peliculas de vampiros, y al lado de verdaderos actores, que junto con Bela, hacen esplendidamente su papel.
Otro de sus papeles "dignos", fué en 'The Body Snatcher' (1945), de Robert Wise y producida por Val Lewton. Boris Karloff era la estrella, y a Lugosi se le usó solo por su nombre, pero su parte, aunque pequeña, fué excelente e importante.
Probablemente, el estudio que mejor lo trató fue Monogram, que realizaba peliculas de horror de bajisimo presupuesto. El estudio no tenia dinero, ni guiones interesantes, pero Bela era tratado con el aprecio que se siente hacia una gran estrella. Las peliculas resultaron razonablemente exitosas.
'Scared to Death' (1947) fué la única pelicula en color de Bela, con su amigo George Zucco. No era mejor que las de Monogram, pero por lo menos era en color.
Al año siguiente, la Universal haria 'Abbott and Costello meet Frankenstein' (1948), y se decidió que Bela volviera de nuevo. Lugosi no olvidó la promesa de no volver nunca más, ni las razones que le hicieron irse. Pero no tenia mucho trabajo últimamente, y la productora le prometió un buen papel y un buen salario. Además, era la única oportunidad de volver a interpretar al conde Dracula de nuevo en el estudio donde empezó. El trato de la productora fué impecable, y acordaron con él que mantendria su capa de Dracula y su anillo, que tenia originariamente John Carradine en 'House of Frankenstein'.
Fué la última vez que el estudio le dió a Bela lo que merecia. Durante 17 años, ellos habian decidido mantenerlo en lo mas bajo, pero no lo consiguieron del todo. Su popularidad sufrió mucho, asi como su salud en todo este tiempo, y a pesar de eso, él siguió trabajando. Un juego con dos barajas no mata a un vampiro... sólo lo debilita un poco. El nunca muere.

Articulo realizado por Blackie Seymour y traducido por Hamunter del magazine 'Classic Images' no.304 (October 2000) pp.69-73 (USA).

Rozz Williams Memorial Flower

"This is my favourite sad story, Forget me not or I'll forget myself I've got quite a few things that I'm afraid of sometimes I just can't face myself This is my favorite sad story, Forget me not or I'll forget myself."

November 6, 1963 – April 1, 1998

Hoy se cumplen 10 años de la desaparición de este gran músico, de este grandioso y eterno Poeta.
R.I.P ROZZ! I don't forget you!

La imaginación & la condena

«Amada imaginación, lo que más amo en ti es que jamás perdonas.

Únicamente la palabra libertad tiene el poder de exaltarme.

Me parece justo y bueno mantener indefinidamente este viejo fanatismo humano. Sin duda alguna, se basa en mi única aspiración legítima. Pese a tantas y tantas desgracias como hemos heredado, es preciso reconocer que se nos ha legado una libertad espiritual suma.

A nosotros corresponde utilizarla sabiamente. Reducir la imaginación a la esclavitud, cuando a pesar de todo quedará esclavizada en virtud de aquello que con grosero criterio se denomina felicidad, es despojar a cuanto uno encuentra en lo más hondo de sí mismo del derecho a la suprema justicia.

Tan sólo la imaginación me permite llegar a saber lo que puede llegar a ser, y esto basta para mitigar un poco su terrible condena; y esto basta también para que me abandone a ella, sin miedo al engaño (como si pudiéramos engañarnos todavía más). ¿En qué punto comienza la imaginación a ser perniciosa y en qué punto deja de existir la seguridad del espíritu? ¿Para el espíritu, acaso la posibilidad de errar no es sino una contingencia del bien? No será el miedo a la locura lo que nos obligue a bajar la bandera de la imaginación»


Del manifiesto Surrealista, (1924).

Premio Arte & Pico

Estoy muy emocionada, he ganado gracias a Pam de "El artefacto" el premio Arte y Pico.
Agradezco con creces que me haya tenido en cuenta, sé que hay pocas personas que entran aquí, pero tambien sé que las que entran es porque comparten y valoran el arte en muchos ámbitos como son el cine, la literatura, la música, y muchas frikadas más que pongo por aquí.
De nuevo muchísimas pero muchísimas gracias nena!
Es todo un honor! vaya que si lo es!


El susodicho premio tiene por objeto reconocer la creatividad, el diseño, material interesante y aporte a la comunidad bloggera, sin importar su idioma.


Aceptar este premio conlleva a aceptar y a asumir las siguientes normas:

1) Se deben de elegir a cinco blogs que se consideren sean merecedores de este premio.

2) Cada premio otorgado debe tener el nombre de su autor y el enlace a su blog para que todos lo visiten.

3) Cada blog premiado, debe exhibir el premio y colocar el nombre y enlace al blog de la persona que la ha premiado
.
4) Tanto el premiado como la persona que otorga el premio, deben exhibir el enlace de Arte y pico, para que todas sepan el origen de este premio y exhibir estas reglas.

Mis premios son para:

*El Blog Ausente

*Esta no es mi vida

*Tierras de cinefagia

*Les Fleurs du mal

*Uno de los nuestros (que aunque no es blogger, el contenido del mismo lo justifica todo)


Enhorabuena, os lo mereceis!

Valerie a týden divu

Valerie a týden divu esta basada en el relato checo de Vítezslav Nezval, que a su vez se basa en “Alicia en el país de las maravillas” de Lewis Carrol. La novela, acompañada por ilustraciones de Max Ernst, es sueño, realidad, surrealidad y metafísica. Ambas, película y libro, resultan más imprescindibles que el “Nadja” de Breton.

El título de ésta obra en castellano es: "VALERIA Y LA SEMANA DE LAS MARAVILLAS".

Esta magnífica obra parece una mezcla de la ya mencionada Alicia en el país de las maravillas y Nosferatu. Es una película extraña llena de personajes surrealistas, vampiros, una especie de salvador enamorado, y todo envuelto en un ambiente de fantasias, terror, una atmósfera cargada de personajes tétricos y paisajes naturales, todo ello hace que sea un film imprescindible para los amantes del surrealismo y del cine de terror no convencional.

Ficha Técnica:

*Dirigida por: Jaromil Jires

*Protagonizada por: Jaroslava Schallerová, Helene, AnyzováPetr, KoprivaJiri ,

*País: Checoslovaquia

*Estreno: 1 de Octubre de 1970

*Duración: 77'

Anne Julie

Anne Julie es una ilustradora francesa nacida en 1980, que unifica varias técnicas en su obra, de la ilustración a lápiz al bricolage, o de la pintura al arte digital.

Anne se graduó en artes con un grado en ilustración en el áño 2001. Ahora es una ilustradora independiente.

"Tengo muchas actividades diferentes, hago ilustraciones para redactores franceses, o proyectos especiales comisionados para galerías y exposiciones personales. Mi trabajo aparece en varios catálogos, libros de niños, revistas y sitios web. También gusto de crear otras cosas con mis manos, como marcadores de libros, joyería y bisutería.

Personalmente me llamó mucho la atención los colores que utiliza y los personajes un tanto sombrios y siniestros que en su mayoría parecen sacados de un cuento de terror victoriano, una historia de Poe o un cuento de hadas, aunque tambien los tiene demasiado minimalistas y con muchos colorines, pero ya sabeis con lo que me quedo.

Y tú?

Gallery

Go Away White

¿Un esperado y ACERTADO regreso?

Si aún no lo tienes claro, pincha en la imágen de abajo.

Julia Margaret Cameron

Julia Margaret Cameron fué una fotógrafa inglesa nacida en Calculta (India) en 1815 y muerta en 1879 , se dedicó al retrato fotográfico de corte artístico, así como a la representación escenográfica de alegorías que la enmarcan en la corriente de la fotografía academicista.

Vive entre la India e Inglaterra, en los años 1860, su hija le regala una cámara y es ahí donde se inicia su afición fotográfica, con 48 años de edad.

Cameron era una aristócrata ociosa que encaja perfectamente en la sociedad de la Inglaterra victoriana, y en ese contexto tener de hobbie la fotografía era bastante exclusivo.
Llegó a decirse de ella que contrataba a sus criados según sus cualidades fotogénicas, a los que martirizaba al parecer con larguísimas exposiciones y poses sofisticadas.

Se cree que por azar descubrió una combinación de elementos técnicos que le dieron como resultado la falta de nitidez, lo que se convierte en su sello artístico, la búsqueda del efecto flou -un cierto desenfoque con intención. De ahí que sea considerada uno de los antecedentes del pictorialismo fotográfico de finales del siglo XIX.

Despreciaba la técnica y por ello utilizaba objetivos inadecuados para las placas utilizadas. Le era indiferente que las placas resultaran manchadas, arañadas. Con todo ello pretendía la obtención de unos efectos que alejaran la realidad de las imágenes captadas.
Sus retratos más famosos son de personajes ingleses conocidos como artistas, pertenecientes a su círculo de amistades, pero también tenía muchos de personas desconocidas, sobre todo mujeres. Los hay aislados y en grupos, como el conocido Retrato de verano hacia 1865, donde aparecen dos mujeres y niñas en pose deliberadamente artificial y con las miradas perdidas. Hay en esta obra un lirismo artificial ya que no busca el realismo o el naturalismo.

Una de sus preocupaciones era realizar obras genuinas, captar la belleza ideal que emana del rostro de sus modelos. Sus retratos de primeros planos son en realidad primerísimos planos tal vez con una intención metafísica. Se ve en estos retratos de Cameron una clara influencia de una corriente de pensamiento muy de moda en la Inglaterra de la época que es la frenología, que sostiene que la inteligencia y el carácter de la persona está marcado en la forma de la cabeza, parece que en ello incide la obsesión por analizar los rostros, pero su intención última es profundizar hacia el interior, mostrar el alma de sus personajes y si para ello era necesario sacarlos fuera de foco, con luces suaves o duras, con telas y miradas lánguidas ,dotaba a la reproducción de un ambiente bíblico, poético pictórico extraordinario.

Cameron también cultivó la fotografía alegórica academicista con obras como "El beso de la paz" de 1859, "Ruega por nosotros", o "El aroma de los lirios", entre otras.

LLegó a exponer en la Exposición Universal de 1870, aunque no la admitieron en la Sociedad Fotográfica de Londres por sus carencias técnicas. En el año 1874 publicó "Annals of my Glass House".
Su obra fue reconocida póstumamente, junto a la de Lewis Carroll, gracias a su reivindicación por parte de los fotógrafos del pictorialismo, así como al apoyo del grupo literario de Bloomsbury y a su sobrina nieta Virgina Woolf.

Madeline Von Foerster (victorianismo & Jung)

Madeline Von Foerster nació en San Francisco hace 34 años, afirma que las mayores influencias sobre su identidad vienen de las raíces Alemanas, Austriacas, y Rusas de su familia.

Estudió en la escuela de bellas artes en Mannheim, (Alemania), pero luego regresó a California a terminar sus estudios junto con algo de masonería.

Las obras de Madeline parecen contagiarse a cada pincelada de los misterios que encierran la simbología oscura y el ocultismo, nos enseña plenamente en sus pinturas la vibración de los paisajes estériles de los surrealistas, y la claustrofobia del arte Medieval.

Madeleine se confiesa una fiel admiradora de Jung y Caravaggio, y una sentimentalista de la era victoriana donde encuentra una belleza inherente del misterio y ve unas claras influencias en un libro de Hieronymous Bosch que recibió como regalo a una muy temprana edad.

En sus obras se puede ver tambien claramente influencias de los pintores flamencos, pero tambien gusta de los surrealistas y otros como: Leonor Fini, Remedios Varos, Leonora Carrington, Hans Bellmer, y Ernst Fuchs.

Madeline muchas veces es vista como una pintora "Neo Rafaelita", cosa que según ella misma lo ve bastante confuso.

Sitio Web: http://www.madelinevonfoerster.com/index.html

Paco Gómez (fotografía Kafkiana)

Madrid, (1971), fotógrafo, presentó su obra "Proyecto K" en el año 2005 en la galería Esther Montoriol, en Barcelona. Se trataba de una investigación obsesiva en torno a la figura y obra de Kafka que está construida como una revisión histórico-fotográfica sobre acontecimientos reales y ficticios sucedidos en la vida del escritor.

A través de una serie de fotografías supuestamente de época, la exposición introduce al espectador en la historia y acontecimientos que conforman la ficción. Un amigo de Gómez se convierte por arte de magia en Franz Kafka recreando algunas de las fotos más conocidas del escritor, y el propio autor se fotografía como Robert Klopstock el médico húngaro que le acompañó hasta su muerte.

Dos vitrinas en las que se pudieron ver documentos que representan sucesos, algunos reales y otros inventados, sitúaron al visitante en predisposición de contemplar lo increíble.



En el invierno de 1924 Kafka se somete a un proceso de capturación de sueños por el doctor Robert Klopstock hecho que nos conduce fantásticamente al núcleo de la exposición.

Un agonizante Kafka, enfermo de tuberculosis y privado del habla, emprendía así un intento desesperado de trasladar a imágenes su universo onírico, como alternativa a las limitaciones que habría encontrado al intentar trasladar dicho universo a la literatura.
Las 103 placas de sueños, resultantes de este experimento, han estado gestionadas hasta hoy por la Kafka Society de Praga y durante el año 2003 se ha conseguido extraer un soporte visible de parte de esos sueños mediante el método informático de la Traslación Interpolada por Simbología (T.I.S). La presentación de esos supuestos sueños de Kafka, extraídos de las buhardillas del olvido, en forma de grandes fotografías en blanco y negro, intenta producir en el espectador la misma sensación de ensoñación que se tiene el leer las novelas de Kafka.


La exposición se completó en una sala anexa con un video de 15 minutos, donde se hace una visión de todo el proyecto con otras fotografías, películas de época y entrevistas a las personas que habitan el inmueble de la calle Mayor 28 de Madrid donde supuestamente Kafka vivió una temporada.

Aquí, una de sus mejores fotografías para la expo:

Texto extraído de: Proyecto Kafka.org.