12/10/2008

Análisis Tardío


Sé bien, sé bien que estoy en el fondo de la fosa;
que todo aquello que toco ya lo he tocado;
que soy prisionero de un interés indecente;
que cada convalecencia es una recaída;
que las aguas están estancadas y todo tiene sabor a viejo;
que también el humorismo forma parte del bloque inamovible;
que no hago otra cosa que reducir lo nuevo a lo antiguo;
que no intento todavía reconocer quién soy;
que he perdido hasta la antigua paciencia de orfebre;
que la vejez hace resaltar por impaciencia sólo las miserias;
que no saldré nunca de aquí por más que sonría;
que doy vueltas de un lado a otro por la tierra como una bestia enjaulada;
que de tantas cuerdas que tengo he terminado por tirar de una sola;
que me gusta embarrarme porque el barro es materia pobre y por lo tanto pura;
que adoro la luz sólo si no ofrece esperanza.

(Poema Inédito de Pier Paolo Pasolini)






Pier Paolo Pasolini (Bolonia, 1922-Roma, 1975)
Escritor y director cinematográfico italiano. Estudió en la Universidad de Bolonia e, influenciado por A. Gramsci, intentó sistematizar el hermetismo con el marxismo. Personalidad compleja y provocativa, en su faceta de escritor fue crítico, narrador y poeta, e intentó revalorizar lo popular como vehículo de expresión de la realidad. Son notables los ensayos Sobre la poesía dialectal (1947) y La poesía popular italiana (1960); las antologías Poesía dialectal del siglo XX (1955) y Antología de la poesía popular (1955); sus obras poéticas La mejor juventud (1954), Las cenizas de Gramsci (1957), La religión de mi tiempo (1961) y Poesía en forma de rosa (1961-1964); sus novelas Muchachos de la calle (1955), Una vida violenta (1959) y Mujeres de Roma (1960), y los dramas Orgía (1969) y Calderón (1973). En 1961 inició su carrera cinematográfica, en la que defendió el lenguaje popular y la investigación abierta y adogmática de la realidad. En sus películas inserta escenas líricas con el más descarnado realismo, lo que convierte su obra en una de las más originales de nuestro tiempo: Accatone (1961), Mamma Roma (1962), El evangelio según san Mateo (1964), Pajarracos y pajaritos (1966), Edipo rey (1967), Teorema (1968), Pocilga (1969), Medea (1970), la Trilogía de la vida (integrada por El Decamerón, 1971; Los cuentos de Canterbury, 1972; Las mil y una noches, 1974) y Salò o los 120 días de Sodoma (1975), que iniciaba una nueva fase de autocrítica que se vio truncada por su muerte tras ser asesinado en trágicas circunstancias.






Ruven Afanador





Ruven Afanador es un fotógrafo Colombiano, nacido en Bucaramanga (Santander) en 1958.
Jean-Luc Godard dijo a través de uno de sus más inolvidables personajes: "Fotografiar un cuerpo o fotografiar un rostro son dos maneras de fotografiar un alma". Y Ruvén Afanador sitió desde muy temprano, cuando vivía en Santander (Colombia) y aún no había encontrado respuesta para el océano de inquietudes que le planteaba su sensibilidad alerta, que su misión en este mundo era precisamente fijar recuerdos, recomponer memorias, revivir amores, rostros y cuerpos barrenados por el huracán del tiempo: dar un testimonio sobre las huellas que las almas dejan en la arena, demostrar que salvo estas, los demás rastros del paso del hombre sobre la tierra son fatalmente vulnerables, están destinados a convertirse en neblina.
Su temprana vocación para detectar la belleza y perpetuarla, lo llevó a ser un niño distinto, una criatura proustiana de tierra caliente, que recorría con exultación los salones y campos y habitaciones y rincones y escondrijos de una casa grande e imponente, la gran casona familiar de los recuerdos sensibles, el gran útero de todo lo que vendría luego, orgullosa matrona de piedra de uno de los mejores barrios de Bucaramanga y la estación más violenta de la vida.
Afanador partió hacia un exilio voluntario, no sin nostalgia, con el firme propósito de hacerse fotógrafo y de esa manera exorcizar y sofocar sus fantasmas, sus ángeles y demonios interiores y, sobre todo, el diálogo que los tiempos -pasado, presente y futuro- desatan en el corazón de los artistas, y el que sería letal si no existieran las herramientas del arte.
Se puso en contacto con "la ciudad de las ciudades", Nueva York, con sus movimientos espasmódicos, sus ojos enormes, sus lenguas voraces, sus universos múltiples. La cámara de Ruvén Afanador entró en acción muy pronto, pero, curiosamente, tomando fotos de allá el hombre daba testimonios de acá: el diálogo de los tres tiempos estaba instaurándose.




11/28/2008

Happy Birthday Mr. Blake!


UN SUEÑO

Cierta vez un sueño tejió una sombra sobre mi cama que un ángel protegía:
era una hormiga que se había perdido por la hierba donde yo creía que estaba.
Confundida, perpleja y desesperada, oscura, cercada por tinieblas, exhausta, tropezaba entre la extendida maraña, toda desconsolada, y le escuché decir:
"¡Oh, hijos míos! ¿Acaso lloran?
¿Oirán cómo suspira su padre?
¿Acaso rondan por ahí para buscarme?
¿Acaso regresan y sollozan por mí?"
Compadecido, solté una lágrima; pero cerca vi una
luciérnaga, que respondió: "¿Qué quejido humano convoca al guardián de la noche?
Me corresponde iluminar la arboleda mientras el escarabajo hace su ronda:
sigue ahora el zumbido del escarabajo;
pequeña vagabunda, vuelve pronto a casa."

Willim Blake nació justo un día como hoy, un 28 de Noviembre de 1757, en Londres. Fue un poeta pintor, grabador y místico inglés. Aunque permaneció en gran parte desconocido durante el transcurso de su vida, actualmente el trabajo de Blake cuenta con una alta consideración. Por la relación que en su obra tienen la poesía y sus grabados respectivos suele ponerse a Blake como ejemplo del «artista total».
Considerar los logros de Blake en poesía o en las artes visuales por separado sería perjudicial para entender la magnitud de su obra: Blake veía estas dos disciplinas como dos medios de un esfuerzo espiritual unificado, y son inseparables para apreciar correctamente su trabajo. Por esta razón, las ediciones ilustradas de la obra de Blake han sido especialmente valoradas en el pasado, hasta que los avances en las técnicas de impresión han permitido una mayor difusión, al hacer éstas más accesibles.

11/20/2008

Dissolving Sanity (Armindo Dias)

Armindo Dias es un fotógrafo Portugués más conocido en la red como: "Negateven", pongo aquí unas pocas fotografías de la serie "Dissolving Sanity" la cual ha sido mi preferida de toda su galería, el porqué?
Creo que las razones sobran.




* Fliker
*DeviantArt
*Myspace




11/06/2008

Últimos Cartuchos


La noche tiene ojos sin pupilas
y largas manos
Qué buen tiempo hace
Hay una estrella roja
y largas serpientes nocturnas
Hace buen tiempo
Es necesario gritar para no estar triste
las horas danzan
Es necesario rugir para no matar
para no morir cantando
para no enrojecer de vergüenza
y de rabia
Nada mejor que irse
tomar el bastón
y caminar
Cuando uno agota los nervios
y se enfurece
Qué buen tiempo hace
las campanas repican a difuntos
y por la gloria de las armas
todo tiene que volver a empezar
Pese a la oscuridad veo
cómo caen cabezas en el cesto
bajo el golpe de la guillotina
diviso ahogados que flotan
y ahorcados que se balancean

Se oyen gritos en los hospitales
Qué buen tiempo hace
Uno se mira en el espejo
por placer
y se encuentra realmente feo
pero uno piensa en otra cosa
para no desesperar
Qué se ve
realmente
qué se ve
El cementerio es encantador
hay flores coronas
cruces e inscripciones
Qué buen tiempo hace
Qué se oye
el sol toca el clarín
en las puertas de los cafés
es la batalla definitiva
la ciudad muere al son de las ranas
y las flores caen
severamente
como árboles desarraigados

Aquí están los hombres
están tan pálidos como los vivos
llevan corbatas rojas
bastones con punteras de plomo
y diarios de todos los colores
Se detienen
y juegan
a cara o cruz
Cada vez hace mejor tiempo
Banderas y música al frente
inclinamos la cabeza
porque cada vez estamos más
solos
pálidos
feos

Tenemos que reiniciar la marcha
a cara o cruz a risa de vino y licores
Los cafés están empavesados
como las sonrisas de las damiselas
avancemos siempre
pronto sabremos lo que ha de venir
Realmente hace muy buen tiempo.

"Poésies completes" (Philippe Soupault,1897-1990)

10/30/2008

Jan Saudek (erotismo descarnado)



Este post va dedicado a mi querido amigo francés
Will a quién le doy infinitas gracias por darme a conocer a éste impresionante y fantástico fotógrafo y artista plástico checo.
Estamos hablando de Jan Saudek, nacido en Praga, entonces Checoslovaquia, el 15 de mayo de 1935.

En 1951 colorea una foto, que su madre enseña al médico de la familia. Ésta asevera que es absolutamente mala, kitsch y que su estilo está pasado de moda, lo que desanima a Saudek a continuar con la fotografía por un tiempo. Paradójicamente, serán estas fotografías en blanco y negro coloreadas manualmente las que caracterizan y hacen, hoy en día, internacionalmente reconocible su trabajo.
En 1963 cae en sus manos el catálogo de la exposición Family of Man del fotógrafo americano Edward Steichen y entonces decide que lo que realmente quiere es dedicarse a la fotografía. Posteriormente, afirmará que con su trabajo lo que intenta es: “capturar todas las cosas que conozco y amo, pero sobre todo me gustaría dejar una huella del tiempo en que he vivido”.
En 1969 viaja a Estados Unidos, donde Hugh Edwards le anima a continuar con su labor artística. En la Universidad Bloomington de Indiana expone por primera vez en solitario.

A partir de los años setenta su trabajo empieza a ser conocido, pero hasta 1983 no publica su primer libro de fotografías. En reconocimiento a la trayectoria artística de Saudek, las autoridades comunistas le permiten abandonar en 1984 su trabajo en la fábrica y que se asocie a la Fundación de Artistas visuales Checoslovacos, lo que equivalía a su reconocimiento profesional como artista.

En 1990 es nombrado Caballero de la Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura francés y en 2006, finalmente en su país es galardonado con el Premio Artis Bohemiae Amicis.

Saudek fué uno de los primeros fotógrafos reconocidos por el mundo occidental. Al principio su fotografía era en blanco y negro, y después empezó a colorearla, dándola un estilo inconfundible. La temática gira en torno al erotismo, desnudez, sexualidad o la relación hombre/mujer. Es oscura, lujuriosa, irónica y complicada y qué duda cabe; un tanto inquietante.
Su trabajo mas conocido se observan mundos irreales representadas por figuras desnudas o semi-desnudas rodeadas por paredes de yeso o contextos pintados reutilizando con frecuencia elementos idénticos.
La editorial
Taschen ha editado un libro bastante extenso del autor, en el que se pueden ver sus mejores obras haciendo un recorrido turístico a lo largo de su vida.

Página Oficial.



Fuentes:Wikipedia, Número F.

10/23/2008

Rodney Smith



Surrealismo en Blanco y Negro









Rodney Smith es un fotógrafo surrealista y punto, y aprovecho el punto porque no hay mucha info sobre él en la red, no conseguí averiguar nisiquiera de donde proviene, aunque lo cierto es que observando éstas preciosas composiciones poco importa.
A mi personalmente se me antoja que el tipo éste ha sido bastante influenciado por Magritte, esos sombreritos creo que lo delatan al instante.
Rodney Smith es al parecer una gran figura en el mundo de la fotografía, ha escrito 2 libros y ha conseguido ganar 75 premios...casi nada!
¡Como me encantan esas escenas keatonianas que hacen parecer que estamos ante la belleza sutíl y vibrante de un clown depresivo!




¿Quieres ver la galería entera?
Pulsa aquí.


10/22/2008

Jean -Claude Claeys

El autor de éstas magníficas, hiperrealistas e inquietantes ilustraciones es:
Jean-Claude Claeys, nació en París el 16 de Octubre de 1951, es un Ilustrador, dibujante, y guionista amante del cine negro, a diferencia de lo que se pueda pensar, su técnica primeramente no se basa sólo en el dibujo, sino en tomar fotografías de la escena para luego llevarlas a su tableta gráfica y revivirlas digitalmente....

"Violencia, erotismo tórrido y una atmósfera oscura y casi deletérea son las caracterizan la obra de Jean-Claude Claeys. Firma imágenes hiperrealistas en blanco y negro que perfectamente concuerdan con el cine negro de la postguerra. Finura del dibujo y del sentido de la puesta en escena …
Claeys verdaderamente se expresa a través de una estética de la restitución fotográfica. En su casa, la belleza está de acuerdo con la muerte.
Las mujeres se le antojan aún más bellas a la hora de perecer".

Leer más: (Wikipedia, en francés)



Más de su impresionante y extensa galería Aquí.

10/17/2008

MARK MOTHERSBAUGH'S (Visión, Misión y obsesión)

Mark Mothersbaugh's fué el líder del conocido grupo de New Wave DEVO, Mark nació en Ohio en 1950, ha sido un músico devoto, un compositor apasionado, pintor y artista surrealista.

Mark empezó a crear cuando se dió cuenta de que se estaba quedando ciego, su miopía empezó a exacerbarse cada vez más y sus gruesos lentes le dieron una nueva perspectiva del mundo que lo rodeaba, empezando así su obsesión por toda clase de imágenes.

Sus primeros trabajos empezaron a finales de los años 60 y principios de los 70, y consistieron en dar forma a muchos materiales diferentes: ilustraciones en tinta, impresiones de pantalla, estampados con sellos, etc...

De aquella hizo varias exposiciones en Akron (Ohio) su ciudad natal y logró el reconocimiento gracias a un premio que le fué otorgado.

Después de irse de gira con los Devo, tuvo un tiempo de inactividad considerable, pero después pudo volver a lo suyo y empezó a hacer postales artísticas y enviarlas a sus amigos todos los dias y desde entonces hace 30 años que no ha parado de hacer lo mismo, se había convertido en una verdadera obsesión.

Al principio éstas postales servían de diario personal y nunca llegaron a ver la luz pública, pero todo cambió cuando Mark decidió compartirlas con las críticas mundiales de arte de todo el mundo y empezó a dar shows durante los años 80 y 90's, despues vino el tour de la "Homefront Invasion" en el 2003, enseñando toda su galería de mutantes, y finalmente el tour de "Beautioful Mutants" en el 2004.

Si os gustan los engendros, aquí puedes deleitarte con su galería.

10/04/2008


Lo sé yo sólo como las palabras insomnes
que muerden oscuras la desesperanza,

yo sólo mientras llora interminablemente una rosa,
yo sólo álgido perseguido por la soledad que tanto mata,
yo sólo con la última verdad del recuerdo
que estrangula más su sino bajo el odio.


La carne era una desnuda amargura, una desnuda amargura,
y una alcohólica fiebre
ya moribunda de tanto perder la noche.
Pero la poesía es la única conversación que se tiene del tiempo.


Lo sé yo sólo, el hueso vivo del reloj,
con el nudo abierto del llanto, con el gris mágico.

Nada cumple perfección cuando sueño con el sexo del cuchillo,
ni la tarde más asesina de mil espejos.


Lo sé yo sólo aquí mientras el olvido ríe más y más,
mientras un triste niño empuja desnudo el cansancio
hacia el túnel ávido de la muerte incansable.


Pero la poesía es la piedra,
enseña el mar profundo al que sufre resistiendo
ciego quizás con los ojos arrastrando de ansiada esperanza.


Lo sé yo sólo hasta el fin de las estrellas.

Nada contará ahora con tu alma,
ni siquiera la sombra encantada que lucha contra la serpiente podrida.


Ni siquiera nadie, mentira de números viejos.


Oswaldo Roses

9/20/2008

Diane Arbus (La magia de lo "freak")


Identical Twins, Roselle, N.Y.,1967

Diane Arbus (cuyo nombre de nacimiento era Diane Nemerov) nació en New York en 1923, era de ascendencia judía, y adoptó el apellido de su marido Allan cuando tenia 18 años. Hija de una familia adinerada, se quejaba de haber sido “demasiado cuidada” en su piso de la quinta avernida...
se suicidó en New York, un 26 de julio de 1971, se había cortado las venas. Además presentaba los síntomas característicos de una sobredosis de pastillas para dormir.




Influenciada por "Model" y una frase de la película: ("No pulsen el disparador hasta que el sujeto que enfocan les produzca un dolor en la boca del estomago") y tambien mayoritariamente de la película "Freaks" de Tod Browning, Diane Arbus eligió a personas marginales para sus fotografías: gemelos, enfermos mentales, gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo, etc. Los personajes miraban directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos.


Child with a Toy Hand Grenade in Central Park, N.Y.C., 1962
Gelatin silver print on Agfa14 7/8 in. x 14 11/16 in
Addison Gallery of American Art, Andover, Massachusetts


Jewish Giant at Home with his Parents, 1970

Su intención era producir en el espectador "temor y vergüenza". Fue Pionera del flash de relleno (flash de día). La fotografía de Diane representa lo normal como monstruoso: cuando fotografía el dolor, lo encuentra en personas normales. Provoca que la gente presuntamente normal aparezca como anormal. Rompe la composición, sitúa al personaje en el centro. Su mirada siempre es directa, con tensión y fuerza. Para ella no existe el momento decisivo, trabaja en continuo espacio temporal y obliga a los retratados a que sean conscientes de que están siendo retratados. Busca una mirada nueva, pasando del tedio a la fascinación.


Hermaphrodite and Dog in Carnival, 1970


“La fotografia es un secreto que habla de un secreto. Cuanto mas te dice, menos te enteras"

(Diane Arbus)




9/16/2008

Vendrá la muerte y tendrá tus ojos (1951)




"Vendrá la muerte y tendrá tus ojos
ésta muerte que nos acompaña
desde el alba a la noche, insomne,
sorda, como un viejo remordimiento
o un absurdo defecto. Tus ojos
serán una palabra inútil,
un grito callado, un silencio.
Así los ves cada mañana
cuando sola te inclinas
ante el espejo. Oh, cara esperanza,
aquél día sabremos, también,
que eres la vida y eres la nada.

Para todos tiene la muerte una mirada.
Vendrá la muerte y tendrá tus ojos.
Será como dejar un vicio,
como ver en el espejo
asomar un rostro muerto,
como escuchar un labio ya cerrado.
Mudos, descenderemos al abismo."


Cesare Pavese. (escritor italiano, 1908-1950)


9/12/2008

Dan Hilleir






El autor de éstas magníficas, pertubadoras, delirantes y kafkianas ilustraciones es el londinense: Dan Hillier.
En mi modesto parecer creo que no había hecho un descubrimiento de éste calibre en muuucho tiempo, hombres y mujeres de la era victoriana envueltos y agobiados entre tentáculos como argonautas refinados, animales alados con bellos cráneos descubiertos, hombres escarabajos trajeados con apariencia pérfida, todo esto y muchas maravillas cefalópodas más componen el universo de éste señor, que a partir de hoy ésta servidora se declara con mano derecha en pecho como su más ferviente admiradora.
Aquí más de su mayestática galería: http://www.danhillier.com/

9/08/2008

Los Nueve Monstruos



Y, desgraciadamente,
el dolor crece en el mundo a cada rato,
crece a treinta minutos por segundo, paso a paso,
y la naturaleza del dolor, es el dolor dos veces
y la condición del martirio, carnívora, voraz,
es el dolor dos veces
y la función de la yerba purísima, el dolor
dos veces
y el bien de ser, dolernos doblemente.

Jamás, hombres humanos,
hubo tanto dolor en el pecho, en la solapa, en la cartera,
en el vaso, en la carnicería, en la aritmética!
Jamás tanto cariño doloroso,
jamás tanta cerca arremetió lo lejos,
jamás el fuego nunca
jugó mejor su rol de frío muerto!
Jamás, señor ministro de salud, fue la salud
más mortal
y la migraña extrajo tanta frente de la frente!
Y el mueble tuvo en su cajón, dolor,
el corazón, en su cajón, dolor,
la lagartija, en su cajón, dolor.

Crece la desdicha, hermanos hombres,
más pronto que la máquina, a diez máquinas, y crece
con la res de Rosseau, con nuestras barbas;
crece el mal por razones que ignoramos
y es una inundación con propios líquidos,
con propio barro y propia nube sólida!

Invierte el sufrimiento posiciones, da función
en que el humor acuoso es vertical
al pavimento,
el ojo es visto y esta oreja oída,
y esta oreja da nueve campanadas a la hora
del rayo, y nueve carcajadas
a la hora del trigo, y nueve sones hembras
a la hora del llanto, y nueve cánticos
a la hora del hambre y nueve truenos
y nueve látigos, menos un grito.

El dolor nos agarra, hermanos hombres,
por detrás, de perfil,
y nos aloca en los cinemas,
nos clava en los gramófonos,
nos desclava en los lechos, cae perpendicularmente
a nuestros boletos, a nuestras cartas;
y es muy grave sufrir, puede uno orar...
Pues de resultas
del dolor, hay algunos
que nacen, otros crecen, otros mueren,
y otros que nacen y no mueren, otros
que sin haber nacido, mueren, y otros
que no nacen ni mueren (son los más).
Y también de resultas
del sufrimiento, estoy triste
hasta la cabeza, y más triste hasta el tobillo,
de ver al pan, crucificado, al nabo,
ensangrentado,
llorando, a la cebolla,
al cereal, en general, harina,
a la sal, hecha polvo, al agua, huyendo,
al vino, un ecce-homo,
tan pálida a la nieve, al sol tan ardido¹!
¡Cómo, hermanos humanos,
no deciros que ya no puedo y
ya no puedo con tanto cajón,
tanto minuto, tanta
lagartija y tanta
inversión, tanto lejos y tanta sed de sed!
Señor Ministro de Salud: ¿qué hacer?
¡Ah! desgraciadamente, hombre humanos,
hay, hermanos, muchísimo qué hacer!



César Vallejo

8/23/2008

Katherine Streeter




Katherine Streeter vive y trabaja en San Francisco, California. Sus ilustraciones aparecen en muchas revistas y sus pinturas son exhibidas en varias cafeterías locales de Estados Unidos.
Su arte mayoritariamente se basa en el collage mezclado con la pintura.
De toda su galeria, la serie "black and white" es la que más ha llamado mi atención, surrealismo y humor mezclados de la mejor manera.

8/16/2008



"La tierra parecía algo no terrenal. Estamos acostumbrados a verla bajo la forma encadenada de un monstruo dominado, pero allí, allí podías ver algo monstruoso y libre. No era terrenal, y los hombres eran... No, no eran inhumanos. Bueno, sabéis, eso era lo peor de todo: esa sospecha de que no fueran inhumanos. Brotaba en uno lentamente. Aullaban y brincaban y daban vueltas y hacían muecas horribles; pero lo que estremecía era pensar en su humanidad -como la de uno mismo-, pensar en el remoto parentesco de uno con ese salvaje y apasionado alboroto. Desagradable. Sí, era francamente desagradable; pero si uno fuera lo bastante hombre, reconocería que había en su interior una ligerísima señal de respuesta a la terrible franqueza de aquel ruido, una oscura sospecha de que había en ello un significado que uno -tan alejado de la noche de los primeros tiempos- podía comprender. ¿Y por qué no? La mente del hombre es capaz de cualquier cosa, porque está todo en ella, tanto el pasado como el futuro. ¿Qué había allí, después de todo? Júbilo, temor, pesar, devoción, valor, ira -¿cómo saberlo?-, pero había una verdad, la verdad despojada de su manto del tiempo.
Que el necio se asombre y se estremezca; el hombre sabe y puede mirar sin parpadear."
Joseph Conrad, "El corazón de las tinieblas" (fragmento).

Retablos (Judy Bustamante 1997)